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El pasado 8 de marzo marcó el regreso en estudio de los metal gods para su álbum de estudio número 19, el esperado Invincible Shield, predecesor de Firepower que fue lanzado también en marzo pero de hace 6 años.

Este nuevo álbum del sacerdote marca un cambio en cuanto a los trabajos anteriores de la banda, personalmente, como fan de Judas Priest, algo que me gusta mucho de la banda, es que se reinventan en cada disco que publican, llegando a sonar a una banda completamente diferente en cada trabajo que han lanzado, pero lo que realmente me sorprendió en este nuevo álbum, es que la banda sonara diferente en cada canción, ¿era posible que a estas alturas una banda tan longeva como Judas Priest pudiera hacer algo así?

El tema que abre el disco, Panic Attack (que también fue el primer sencillo lanzado por la banda) trajo consigo todo un viaje nostálgico en donde los fans recordamos trabajos ochenteros como Turbo o Ram It Down, The Serpent And The King aumenta la velocidad mostrada anteriormente pero con un aire metalero más contemporáneo, el tema homónimo que es completamente brutal, trae consigo una mezcla de entre trabajos setenteros de la banda como trabajos ochenteros.

En general, el álbum hace un recorrido por cada etapa y cada sonido de la banda, haciendo guiños a décadas anteriores (70s, 80s, 90s, 2000s y el sonido actual de la banda), cosa que se disfruta de principio a fin, a pesar de ser fan de Judas Priest, trato de no ser un fanboy, por lo que podría decirte que si existen temas que a mi en lo particular me parecen no tan necesarios dentro del álbum, como por ejemplo Devil In Disguise y Trial By Fire. Por el contrario, temas como Crown Of Horns (que personalmente me parece hermoso) brillan por sí solos, o una sorpresa como Giants In The Sky, y me refiero somo sorpresa a ese tema ya que podemos escuchar pasajes acústicos en un tema meramente heavy, cosa que no se había escuchado antes en un disco de Judas Priest, y el final (en la versión deluxe) nos muestra un sonido más sombrío y oscuro (muy al estilo de Lochness o de algún tema de Nostradamus) con The Lodge, cuyo tema está inspirado en una película de Alfred Hitchcock del mismo nombre.

Judas Priest es de las bandas clásicas que no tienen necesidad de demostrar nada a nadie, más que a ellos mismos y mostrar su superioridad musical como en cada trabajo que han lanzado, muchos fans siguen en la esperanza de que la banda algún día lance un Painkiller 2.0, pero eso es algo que jamás en la vida pasará, eso sí, el tema de As God Is My Witness es un tema que se escucha sacado de viejas grabaciones de Painkiller y es una de las grandes sorpresas que podemos encontrar en Invincible Shield, un gran viaje por toda la discografía de Judas Priest con una producción impecable, un sonido sólido y un Rob Halford que con una mano, está demostrando que es el mejor cantante de heavy metal en la actualidad, un trabajo en el que siguen demostrando porque son los únicos e inigualables Metal Gods.

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El 11 de abril de 1988 Iron Maiden publicaba su séptimo álbum de estudio, el afamado Seventh Son Of A Seventh Son, un álbum que buscaba continuar con la misma senda que Somewhere In Time con el uso de sintetizadores, un experimento que le funcionó muy bien a la Doncella de Hierro.

Seventh Son sería el primer álbum conceptual de la banda al contar la leyenda del séptimo hijo de un séptimo hijo, historia de la que Steve Harris tomaría inspiración después de leer la novela Seventh Son del escritor Orson Scott Card, así mismo podemos escuchar a lo largo de los 8 cortes que componen el álbum, la historia de un hijo que busca pelear contra el mal, usando ciertos dones de tintes paranormales o extraordinarios.

La dupla Smith-Murray siguió funcionando a la perfección, en donde mezclan su virtuosismo con pasajes o melodías lentas que de repente pueden despuntar y llevarnos a unos cambios de ritmo magníficos como en Infinite Dreams, la voz de Bruce Dickinson en un punto fresco y más maduro vocalmente hablando si lo comparamos con Number Of The Beast o Piece Of Mind, esa voz que desarrolla una risa diabólica hacía el final de Moonchild.

Para la grabación del álbum no se contactaron a ningún teclista para los toques de sintetizadores, sino que los mismos músicos fueron quienes pusieron sus dedos para poder dar ese sonido increíble que acompaña a las guitarras de Adrian Smith y Dave Murray, a lo largo del álbum podemos ir apreciando cierta madurez musical de la banda, una madurez gradual a excepción diría yo de Can I Play With Madness, que al juzgar por los cortes oscuros y pesados del álbum como Moonchild, Infinite Dreams, o The Evil That Men Do, Can I Play With Madness no tiene mucho que hacer ahí, aunque para sus presentaciones en vivo se convirtió en todo un himno de energía para la banda y su público, al igual que con The Evil That Men Do con ese riff melódico explosivo que hace agarrar fuerzas para comenzar a agitar la cabeza a más no poder con ese galopeo ya clásico de la banda. Mención honorífica desde luego para The Clairvoyant que abre con un bajo impresionante de Steve Harris muy al estilo de Killers, y al cuál le acompaña un vídeo espectacular que trata de narrar un poco de lo vivido en el Monsters Of Rock de 1988.

El tema que da nombre al álbum es toda una ceremonia auditiva y enigmática que te mantiene atrapado durante los casi 10 minutos que dura la canción, el punto cumbre y el climax de los sintetizadores en el disco.

Seventh Son Of A Seventh Son es considerado uno de los mejores trabajos de Iron Maiden, tanto así que la gira de promoción del álbum los llevó a encabezar la edición más monstruosa del legendario Monsters Of Rock de Donington de 1988, en donde actuaron por encima de Kiss, David Lee Roth, Megadeth, Helloween y Guns N Roses. Un trabajo que marcaría el final de una era de Iron Maiden ya que un año después del lanzamiento Adrian Smith abandonaría la banda alegando diferencias musicales pero que quedó marcado para la posteridad en el heavy metal y que hizo ver que los sintetizadores no eran exclusivos del glam metal o del AOR.

 

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El Multi-ganador del premio Grammy y miembro del Songwriters Hall Of Fame, Jason Mraz, presenta You Might Like It el segundo sencillo de su nuevo y octavo álbum de estudio “Mystical Magical, Rhythmical Radical Ride”.  

I Feel Like Dancing el sencillo con el que ha dado inicio a esta nueva etapa musical, ha sido bien recibido alrededor del mundo y supera ya los 7 millones de streams en plataformas digitales. Ha comenzado a despuntar en las búsquedas de Shazam logrando el puesto #95 en Japón y comenzando a destacar en charts de radio en países como: Alemania, Japón, Italia, Hong Kong, US, Argentina, Colombia, Perú, India, Filipinas, Inglaterra, Canada y México (donde además el tema está posicionado en el puesto No. 15 en el chart de radio). 

Para los fans que deseen escuchar la nueva música en directo, Mraz ha anunciado una gira de verano con el mismo nombre, que se prolongará desde mediados de julio hasta mediados de agosto. En esta gira, Mraz contará con colaboradores de toda la vida, como los Grooveline Horns de Austin (Texas), el grupo de rock-folk Raining Jane y la guitarrista Molly Miller.  El grupo de soul-pop Lawrence, formado por los hermanos Clyde y Gracie Lawrence, también actuará en la mayoría de las fechas.  La mayoría de las entradas saldrán a la venta el próximo viernes 24 de febrero. Para el 17 de agosto, su gira concluirá con una presentación única con su banda y la icónica New York Pops, liderada por el director musical y conductor, Steven Reineke. La presentación tendrá lugar en el Forest Hills Stadium en Queens, Nueva York, y presentará a Mraz interpretando selecciones de sus dos décadas de carrera arregladas para la orquesta sinfónica al completo.

Mystical Magical, Rhythmical Radical Riderepresenta un regreso a la música pop por parte de Jason Mraz, quien se reunió con el productor Martin Terefe (Coldplay, Train, Mike Posner), su colaborador en “We Sing, We Dance, We Steal Things”; álbum emblema de Mraz con su sencillo “I’m Yours » y «Lucky «.

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La artista británica de indie pop RUTH BLAKE presenta su nuevo single «Not Your Angel«, en el que rechaza la idea de que nuestra belleza reside únicamente en nuestra capacidad de ser angelicales, bellas y dulces. Antídoto contra esa ideología tóxica, la artista afincada en Somerset invita a las mujeres a abrazar su propia fiereza.

En este tema, Ruth ha colaborado con el productor londinense JAMES YUILL (M83, ERASURE, MINT ROYALE, AU REVOIR SIMONE), lo que supone un alejamiento del sonido más folk de Blake. Es la primera vez que se pasa a la electrónica en un tema. Inspirado por Joan como Policewoman, la electrónica glitchy y las líneas de bajo sucias, este sonido creativamente refrescante honra otra faceta de su arte y la experiencia humana – una que es feroz y fuerte.

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Después de que Paul Quinn anunciara su retiro de las giras mundiales con Saxon, la banda se dió a la tarea de buscar un reemplazo, y parece que ya lo encontraron.

La mañana de hoy Saxon anunció en sus redes sociales que el guitarrista de Diamond Head, Brian Tatler se unirá a las filas de la banda para sus presentaciones en vivo.

La banda especificó que Brian actuará con la banda en sus fechas programadas para el mes de julio, pero que el guitarrista seguirá siendo miembro de Diamond Head.

 

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Ginebras, uno de los fenómenos musicales de la década en España, asciende a la cima del pop con el lanzamiento de ¿Quién es Billie Max?, un ejercicio mayúsculo de pura adrenalina. El disco, editado por Vanana Records, ya está disponible en todas las plataformas digitales.

Magüi, Sandra, Raquel y Juls responden así al interrogante que plantea el título: “Billie Max surge de la primera canción del disco, donde hablamos de un sueño psicotrópico en el que aparece su figura. Es un nombre que nos hemos inventado para este ser que queríamos que no tuviera ni género ni forma completamente humana y que, al mismo tiempo, fuera nosotras cuatro personificadas en algo. Quizás es demasiado enrevesado, pero lo que verdaderamente importa de esto es que ese ser indefinible es la conjunción de las cuatro. Somos nosotras, con nuestras subidas y bajadas, idas y venidas y con una mochila cargada de vivencias y experiencias. La unión de todas las cosas que contamos en el disco: la fiesta, la ansiedad, los lunes negros, el baile, el agradecimiento y mucho más”.

Editado por Vanana Records, el álbum incluye 11 canciones donde encontramos adelantos como “Alex Turner”, “Ansiedad”, “Desastre de persona” (feat. Dani Martín) o la reciente “Muchas gracias por venir”, que presentaron a través de un documental sobre su grabación en los míticos Abbey Road Studios de Londres. Lo completan títulos tan sugerentes como “En bolas”, “Qué gozadita”, “Omeprazol”, “He resucitado a Elvis”, “Rapapá” y la que nos presenta esta montaña rusa de emociones, “Billie Max”. Redondea el tracklist “Lunes negro”, tema para la cual se han aliado con sus compañeros de Vanana Records y amigos, Karavana. Una colaboración soñada por ambos que por fin se materializa en un corte con el que muchísimas personas se sentirán identificadas.

Este trabajo nos muestra a una banda más madura, más atrevida y al mismo tiempo más valiente. A nivel musical hay también una clara evolución respecto a Ya Dormiré Cuando Me Muera, el debut que encumbró a Ginebras como una de las formaciones con más potencial de España y que está comenzando a reconocerse en México.

El disco está concebido para presentarse en vivo. Un desborde de energía sobre el escenario con el que Ginebras ya ha arrancado una imponente gira que tomará los mejores festivales y salas de España. Su fiesta sinfín, a la que todo el mundo está invitado, llegará a su punto álgido el 12 de octubre con el gran concierto del mítico Wizink Center de Madrid, solo al alcance de grandes artistas. «El día de la Ginebridad» como lo han bautizado ellas mismas.

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Los Kings Of Thrash de David Ellefson por fin publicaron su primer trabajo discográfico, un álbum en vivo llamado Best Of The West – Live at the Whisky a Go Go, en donde repasan los primeros años de Megadeth.

La banda está conformada por los ex miebros de Megadeth, David Ellefson y Jeff Young, en el bajo y guitarra respectivamente, y se les sumaron Fred Aching en la batería y el guitarrista y vocalista Chaz Leon, juntos giraron por los Estados Unidos el año pasado, realizando presentaciones en pequeños bares y clubes tocando en su mayoría temas pertenecientes a los álbumes Killing Is My Business… And Business Is Good y So Far, So Good… So What! de Megadeth, más un par de canciones del Peace Sells… But Who’s Buying?

En algunas fechas aparecería el ex guitarrista Chris Poland uniéndose a la banda, formando una especie de súper grupo de ex miembros de Megadeth. Este marzo de 2023 salió a la luz su primer álbum el cual es un trabajo en vivo grabado en el mítico Whisky a Go Go de Los Ángeles. La producción del álbum en general suena impecable, con un poderío y una potencia increíble, que a los fans más jóvenes nos hace tener una idea de como sonaba en vivo Megadeth durante sus primeros años.

Sumado al pequeño club en donde se grabó el disco, tiene ese aire de banda thrash perteneciente a la escena under, David Ellefson como siempre dándo lo mejor de si en su instrumento, al igual que Jeff Young quien se destaca por sus grandiosas influencias de jazz y que lo demuestra a la perfección en este trabajo, la voz de Chaz se acopla perfectamente bien a los temas, sin necesidad de modificar tanto la afinación de sus instrumentos, y por momentos (no sé si de manera intencional) Chaz intenta sonar como un jóven Dave Mustaine cantando lleno de rabia.

Si bien es un álbum de covers, también es cierto que tanto Ellefson como Young tiene créditos como compositores en los temas que estos ejecutan, y que al escucharlos te deja un buen sabor de boca, con esperanzas de escuchar material original de esta gran banda. Un álbum apto para fans conocedores de Megadeth y del thrash en general.

Kings Of Thrash – Best of the West – Live At Whisky a Go Go

Tracklist:

Last Rites (Intro)

Rattlehead

Good mourning/Devil’s Island

Wake Up Dead

502

In My Darkest Hour

Orange Light

Into The Lungs Of Hell

Set The World Afire

Killing is My Business… and Business is Good

Chosen Ones

Liar

Hook in Mouth

Mechanix

These Boots Are Made for Walkin’

Peace Sells

https://www.youtube.com/watch?v=3syXEcf3mD8

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Yuno está de estreno con el sencillo Kadmita, disponible en todas las plataformas digitales a partir del 31 de marzo, y celebran con la presentación del vídeo oficial en un evento en vivo.

Bren (voz principal, guitarra y bajo) y Day (batería y voz), encuentran puntos comunes en bandas desde Twenty One Pilots, Royal Blood, Paramore, hasta Muse; aunque también, sus gustos e influencias van desde lo más clásico del rock como Led Zeppelin y Rush, hasta lo más contemporáneo del pop como Billie Eilish y Blackpink.

Debutaron en los escenarios en el mes de abril del 2022 y a pesar de tener poco tiempo presentándose en vivo, han recibido gran respuesta del público. «Juno» es la diosa romana, reina de las mujeres y el compromiso, y se relaciona con la lucha y el pacto de dos mujeres mexicanas con su música.

Con una fuerte agenda desarrollada en tan poco tiempo de trayectoria, han compartido el escenario con bandas nacionales como LNGSHT, Beta, Marco Mares y Joliette, además de una serie de shows en preparación junto a Erik Canales (Allison).

Su más reciente sencillo “Kadmita”, busca ser un grito de protesta para quien alguna vez se han encontrado con la traición. Fue grabada, coproducida y masterizada en Recon Studio y busca ser un salto para el sonido de la banda, ya que combina una base potente de bajo y batería con sintetizadores y alientos, siendo su tema más experimental hasta el momento.

Yuno celebra el estreno de “Kadmita” con un show para fans y prensa el próximo 30 de marzo, en donde se presentará el video oficial de manera exclusiva para los asistentes.

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El 22 de marzo de 1994 llegaba Far Beyond Driven el séptimo álbum de estudio de Pantera, después de la salvajada de Vulgar Display Of Power, ¿a dónde más podría llegar Pantera? llegó a un nivel que como la propia portada, taladró a todos y cada uno de los que escucharon aquel disco.

Far Beyond Driven mostró una agresividad a la décima potencia, a comparación de del anterior, que si bien es un trabajo pesado, también contiene temas que bajan el ritmo como Hollow o This Love, sino que el álbum abre con uno de los temas más brutales y salvajes de su carrera, Strengh Beyond Strengh, una pieza muy al estilo de Fuckin Hostile, aquellos riffs de Dimebag completamente demenciales, y ni hablar de los guturales de Anselmo.

Becoming con una batería limpia e impecable como ya era costumbre en Vinnie Paul, 5 Minutes Alone es un tema sencillo y hasta cierto punto monótono pero sin embargo cumple con mantener el ritmo y la pesadez con la que se inicio el disco, el coro sin duda alguna se te queda grabado en la cabeza por varias horas. I’m Broken es otro de esos temas en donde uno se pregunta, ¿de donde carajos saca Phil Anselmo esa voz? con el solo hecho de intentar cantar el coro, más de uno se puede quedar afónico por horas.

Slaughtered trata de revivir ese aire agresivo y disminuir el ambiente depresivo en los temas anteriores, con riffs dinámicos que juegan muy bien a lado de la batería y el bajo de Rex Brown, podría decirse que es el tema que más influyó para el desarrollo del death metal de mediados de los 90’s gracias a semejantes registros de Anselmo.

Far Beyond Driven fue un disco que nadie esperaba con semejante fuerza y energía después de lo ofrecido con su antecesor, así fue como Pantera demostró que se pudieron superar así mismos, la portada que hoy conocemos de un cráneo siendo taladrado con un fondo azul fue puesta de último momento ya que la portada original era demasiado fuerte (ni tanto) para ponerla en los estands de las tiendas de discos, así como desde la portada podemos apreciar la brutalidad  y la importancia del mismo para aquellos guturales que hoy en día conocemos.

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El 22 de marzo de 1982 Iron Maiden publicaba el famosísimo The Number Of The Beast, un álbum del que ya no se puede decir nada nuevo, puesto que desde el momento de su lanzamiento marcó época dentro del heavy metal.

Siendo el primer álbum de Maiden con Bruce Dickinson quien llegó de una banda llamada Samson sustituyendo a Paul Di’Anno, quien fu despedido debido a sus excesos con el alcohol y las drogas, El Número de la Bestia dio un aire completamente nuevo a la banda, a pesar de que fue al mismo tiempo, el último álbum de Clive Burr en la batería, para dar las gracias a la banda terminando el Beast On The Road Tour.

Invaders un tema que pasa sin pena ni gloria en el álbum, pero su sonido recuerda a aquel Killers del año anterior, Children Of The Damned comienza a oscurecer un poco el sonido de la banda, con un estribillo pesado que se vuelve cada vez más demoniaco a pesar de no ser un tema rápido, según Dickinson, está influenciada por el tema Children Of The Sea de Black Sabbath.

The Prisioner un tema inspirado en la famosa serie británica del mismo nombre, en donde la furia de Dickinson comienza a florecer, una pieza rápida cuyo duelo de guitarras entre Dave Murray y Adrian Smith es increíble. Cabe mencionar que el diálogo que se escucha al inicio de la canción es el mismo que aparece en el primer capítulo de la serie. 22 Acacia Avenue una clara continuación de Charlotte The Harlot, que curiosamente Adrian Smith la compuso en su época con su banda Urchin, el estribillo es una completa salvajada.

The Number Of The Beast, el tema homónimo llega en el puesto 5, cuya introducción se toma prestada de un pasaje bíblico del libro del Apocalipsis, se dice que Iron Maiden quería la voz de Vincent Price para aquel diálogo, sin embargo las pretensiones económicas del actor no eran del agrado de la banda, por lo que se contactaron a Barry Clayton, según Steve Harris la letra está inspirada en una pesadilla que tuvo donde era testigo de rituales satánicos.

Run To The Hills un tema que a mas de uno le hace mover la cabeza y gritar el coro hasta quedar afónico narra la conquista del pueblo norteamericano a manos de los ingleses, al puro estilo de Iron Maiden. Gangland y Hallowed Be Thy Name cierran el álbum, citando el último tema como una historia de un prisionero que camina hacia su sentencia de muerte y se encuentra desesperado por encontrar un poco de consuelo y salvación.

Al momento de su lanzamiento, el número de la bestia trajo varios detractores quienes acusaron a la banda de ser satánica (esto gracias a la portada del álbum y al tema del mismo nombre), además de que según la leyenda hubo varios casos extraños y perturbadores durante la grabación del mismo, donde incluso el productor Martin Birch narra la experiencia de haber sufrido un accidente automovilístico con tintes paranormales.

Un álbum que ha 41 años de su lanzamiento sigue detonando los oídos de los que lo escuchan por primera vez, y nos hace agitar la cabeza y gritar una y otra vez al ritmo de esos coros pegajosos que siguen retumbando en sus conciertos.