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El pasado sábado 11 de noviembre se llevó a cabo una edición del Tecate Comuna en Cholula, Puebla, festival que se ha posicionado como uno de los más importantes del país por los extraordinarios carteles que ha presentado desde su primera edición, bandas como Caifanes, Café Tacvba, Wolfmother, Los Búnkers, e Inspector eran de lo que más llamaba la atención para el público no solo poblano, sino de todas partes de la república que se dieron cita en el Foro Cholula de Puebla.

A pesar de que el acceso transcurrió un poco lento desde que se abrieron las puertas al medio día, con forme avanzó el día, la afluencia era cada vez más, el público iba llegando para disfrutar de la gran fiesta que estaba ofreciendo Tecate Comuna.

Las regias de The Warning, banda revelación realizó su presentación en el escenario Tecate poco después de las 4 de la tarde, y a pesar de no ser de las bandas estelares, las hermanas han ido acumular un gran número de fans que se ha visto reflejado en las presentaciones que ha tenido la banda, no solo en festivales, sino en presentaciones en solitario, a pesar de tener un set corto, The Warning lo dejó todo en el escenario en donde incluyeron su propia versión del clásico de Metallica, Enter Sandman.

Posterior a la actuación de The Warning, llegó el turno de DLD, la banda liderada por Paco Familiar ya es un clásico imperdible dentro de la escena del rock nacional, aquí la afluencia en el escenario Tecate fue muchísimo mayor, a tal grado de parecer una de las bandas estelares del festival, desde el primer tema, Dixie (tema de sus primeros años cuando se presentaban bajo el nombre de Dildo) la banda encendió al público de Tecate Comuna que comenzó a corear y gritar cada verso de la canción, a este tema le siguieron clásicos como Arsénico que también desató la locura entre los asistentes, con un audio impecable, la banda dejó todo en el escenario, donde uno de los momentos más emotivos de la tarde fue el momento en que ejecutaron su versión de Mi Vida, el clásico de José José, y como es costumbre, lo mejor se deja al final, momento en el que tocaron sus temas más emblemáticos como Por Siempre y Todo Cambia, sin duda alguna una actuación increíble.

La distancia entre escenarios no era muy larga, pero si se tenía que ir esquivando a toda la gente que cada vez era mayor para poder llegar al escenario Comuna en donde los chilenos de Los Búnkers iban a comenzar su presentación, aquí también se destaca el impresionante audio y producción de la banda y de como mantuvieron a flote el ambiente fiestero entre los asistentes con clásicos ya de la banda como Llueve Sobre La Ciudad y su propia e increíble versión de Y Volveré, el clásico de los legendarios Ángeles Negros, pasando por temas nuevos de su última producción discográfica, Noviembre, hasta llegar al clímax de la noche cuando el escenario Comuna se convirtió en una completa fiesta al tocar Bailando Solo, una increíble versión de poco más de 6 minutos en donde el vocalista Álvaro López parecía emular a David Gahan con esos hipnotizantes pasos de baile en Bailando Solo, sin duda alguna el show de Los Búnkers, y sin temor a equivocarme fue de las mejores actuaciones del festival.

Posterior a la presentación de los chilenos llegaba el turno de los legendarios Caifanes quienes abrieron su presentación con el clásico Viento, para continuar con temas como No Dejes Que, Nubes y Mátenme Porque Me Muero, resaltando el porque son considerados una de las mejores bandas del rock mexicano con ya casi 40 años de trayectoria, a este punto el festival ya era una completa locura, y quienes ya se encontraban disfrutando de las bandas estelares, Caifanes tuvo como invitado especial a Memo Briseño, una pieza clave y fundamental del rock mexicano, la banda continuó con su set en donde presentaron un tema nuevo y más clásicos como Ojo de Venado, para después realizar un encore en donde cerraron su presentación con el clásico La Célula Que Explota, una gran presentación que dejó a muchos fans satisfechos.

Ya entrada la madrugada, llegaba el turno de los australianos, Wolfmother, quienes se presentaban por primera vez en Tecate Comuna para dejar su huella imborrable en el festival con su hard rock de la vieja escuela en donde ejecutaron temas como Rock Out, el súper tema Woman, Dimension, y Joker & The Thief, a manera personal la presentación de Wolfmother me dejó con la boca completamente abierta al ver como 3 músicos eran capaces de destruir los oídos de los asistentes con un hard rock hecho con el corazón y sincero, una banda que espero pueda volver a repetir en el festival.

Ya entrada la madrugada, Inspector se encargaría de cerrar el escenario Comuna, en donde también lograron aglutinar a miles de personas para disfrutar del clásico ska de la banda, con un Big Javy que se veía contento de estar en el festival y con todo el ánimo de que la gente tuviera un cierre con broche de oro, la banda repasó su discografía con temas como Amargo Adiós, Te He Prometido, Es Por Ti, Me Estoy Enamorando y Amnesia. Uno de los momentos emotivos de la madrugada fue cuando Big Javy dedicó el tema Grita a todos los seres queridos y amigos que ya no se encuentran con nosotros, animando a los asistentes a gritar el nombre de los que ya no están presentes físicamente. Un cierre digno de un buen festival.

Sin lugar a dudas la edición 2023 de Tecate Comuna fue un rotundo éxito en donde el aforo fue de más de 75,000 personas, 75,200 para ser exactos, una edición que brillo por su excelente organización, audios bien establecidos, y ambiente completamente familiar en donde si se pudieron apreciar a familias completas que estaban felices por ver actuar a sus bandas y músicos favoritos. Ya no podemos esperar todo un año para disfrutar de una edición más de Tecate Comuna, que como mencioné, se ha posicionado como uno de los festivales de música más importantes del país, y con justa razón.

¡Nos vemos en 2024!

 

 

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The Weeknd realizó un impresionante espectáculo como parte de su gira After Hours Til Dawn en Monterrey.

Foto por Fer Vega y Sr Villareal

Este gran espectáculo se realizó el pasado martes 26 de septiembre en uno de los recintos más importantes de Monterrey como lo es el Estadio BBVA, el cual recibió a más de 50 mil personas.

El día comenzó desde que miles de fanáticos llegaron al inmueble desde muy temprano para no perderse nada de lo que el cantante había preparado.

Lo primero que vieron los fanáticos al ingresar al lugar fue la enorme estatua de estilo futurista del famoso ilustrador japonés Sorayama, y frente a esta una llamativa luna llena que daba a la atmósfera un toque surrealista, mientras que al fondo había una estructura de una ciudad llena de edificios.

Foto por Fer Vega y Sr Villareal

Cerca de las 21 horas el público puede entrar a un mundo completamente nuevo y futurista en compañía de un grupo de bailarinas totalmente sincronizadas y uniformadas y con la icónica presentación de The weeknd, quien además de tener una icónica entrada llegó con un vestuario acorde al contexto, con una máscara, un brazo robótico y una mítica capa.

La canción que se utilizó para la obertura fue «Party monster», continuando con «Take My Breath, “Sacrifice”, “Lost in the fire” y “Hurricane”, canciones que no paraba de corear el público.

Los efectos especiales también fueron una parte importante de la noche, incluyendo columnas de fuego al sonar de “The Hills”, una lluvia de globos cayó sobre la cancha al sonar de “House of Balloons”.

Para los temas “Low Life”, “Reminder” y “Faith” el cantante ya no tenía la máscara puesta, elevando la emoción del público al ver el rostro de su artista favorito.

Foto por Fer Vega y Sr Villareal

Un momento que marcó la noche fue cuando el cantante interpretó la canción que lleva el nombre de la gira “After Hours”, y descendió del escenario para convivir con sus fanáticos.

Posteriormente, al interpretar “Feel it coming”, “Die for you”, “Is There Someone Else”, “I Was Never There” la luna flotante cambiaba los tonos de la canción tras canción, creando un mood envuelto de emociones.

Una de las canciones favoritas de la noche fue “Call Out My Name», creando un momento solo del público y The Weeknd, uniendo ambos sus voces para interpretar este tema.

Al llegar al momento final del show, las canciones “Save Your Tears”, “Blinding Lights”, “Creepin”, “Popular” e “In your eyes”, elevaron los sentimientos y emociones del público, finalizando con el éxito “Moth to a Flame”.

 

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YA CONOCES NIU?

NIU sushi llega a Mexico , una de las cadenas más grandes de Latinoamérica de sushi directamente desde Chile con ya 15 años de experiencia . 

NIU sushi llega a Mexico adaptando su concepto a lo Méxicano incluyendo esos sabores que hacen de Mexico uno de los países con mejor sabor en el mundo , incluyendo los clásicos nopales, la salsita serrana , los jalapaeños capeados y lo asistió del limon con el que se nos hace agua la boca .

80 royos diferentes completan esta gran variedad de sushis sin dejar de lado las entradas y la coctelería Mexico/ sudamericana que acompañará a nuestro paladar en este viaje que une culturas como las delicias que nos brinda el famoso agave y el Pisco Sour peruano sabores memorables.

«El equipo  de NIU nos invito a que vivieramos la experiencia de esta gran fucion de culturas y dejenme decirles que  solo se pueden »

      

COCINA NIKKEY CON PERUANA : pulpo, aguacate, salmón, salsa, ceviche , salsa imaginación, salsa tari, Wonton de teriyaki, camarón ,queso crema, verduras al vapor y mucho más .

PARA LOS VEGETARIANOS

Estos rollos son para aquellos con gusto champiñón palmitos cebollín banco aguacate queso crema de espárragos que podrás combinar con la variedad de salsas que sólo se encuentran en NIU sushi México.

ESPECIALIDAD MEXA

Al hablar del viaje de la unión de culturas sudamericana mexicana y japonesa encontramos un nopal rol que incluye chiles jalapeños nopales y algunas salsas que como antes se mencionó sólo las encuentras en la sucursales de México uniendo las tradicionales empanadas y los sabores frescos como la fresa y el Maracuyá estoy más podrás encontrar en estos nuevos establecimientos de sushi en nuestro país.

Esestas primeras semanas los socios fumadores estarán atendiendo a los comensales para ser los mejores en la industria.

No olvides que esta primera semana de inauguración NIU suchi estará lleno de promociones de acuerdo al día .

UBICACION

Esta primera sucursal está ubicada en la nueva plaza Cielo Abierto en Coyoacán cdmx a un lado de plaza oasis sobre Miguel Ángel de Quevedo.

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La noche del pasado 29 de agosto el Lunario del Auditorio Nacional se convirtió en una fiesta con la presentación del cantante Ruel. El artista Australiano hizo vibrar el recinto con canciones como «Face to Face», «Flames» y «Painkiller».

 

Esta gran noche comenzó con llegada de los fanáticos al lugar ubicado en Av. P.º de la Reforma 50, Polanco V Secc, Miguel Hidalgo, se notaba la emoción que sentían al llegar a lo que sería una presentación llena de música, luces que acompañaban los sonidos que caracterizan al cantante y la protección de videos especiales.

 

El espectáculo inició con la presentación de la cantante Nicole Favre, quien con un Set List compuesto de seis canciones logró emocionar más al público cantando canciones como «Así de simple», «Olvidarte» y el cover de la exitosa canción de Dany Ocean «Me rehusó».

Al final esta presentación, los gritos de «Ruel hermano ya eres mexicano» comenzaron a sonar de parte de los fanáticos, quienes en punto de las 21:00 pm pudieron disfrutar del Concierto, el cual forma parte de la gira 4th Wall. 

Con un show de una hora y veinte minutos, Ruel logró hacer, bailar, disfrutar, cantar y conmover a sus fanáticos. Iniciando con la canción «Go On Without Me», y continuando con exitos como «Growing Up Is», You Against Yourselft», «Face yo Face», «Someone Else’s Problem», cancion que interpretó acompañado de su guitarra; Para continuar mostrando a su público su talento para tocar instrumentos el cantante al finalizar con la canción «If And/ Ir When» interpretó un par de canciones acompañado de su piano (Moment y Hard Sometimes), el concierto y la emoción del público continuaba con temas como «Flames» y «Dazed». Pero fue hasta la canción de «Painkiller» que el cantante comenzó a agradecer y despedirse de esta noche maravillosa, pero el público con ganas de más canciones comenzó a corear el famoso «Otra, Otra», logrando que el artista saliera a interpretar «Don’t Wanna B Like You» y con eso finalizará está noche.

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Para principios de los años setenta, la diversificación del rock comenzaba a tomar cada vez más forma, con el nacimiento del rock pesado gracias a bandas como Black Sabbath, Deep Purple o Led Zeppelin, otros sub géneros también querían salir a flote.

En el caso de lo que ahora ya conocemos como glam rock, no se tenía una imagen fija en aquellos años, a pesar de que Alice Cooper ya llevaba cierta experiencia en la escena musical, su imagen y puesta en escena iba más hacia el shock rock o lo teatral que bandas como Genesis o David Bowie (con su puesta en escena de Ziggy Stardust) ya también llevaban a cabo.

En 1973 vio la luz el álbum debut de una banda llamada The New York Dolls en cuya portada podíamos apreciar a cinco chicos(? o al menos esa pregunta fue la que se hicieron muchos al ver por primera vez la cubierta de aquel álbum, preguntándose que era lo que estaba posando frente a la cámara, 5 tipos con maquillaje y ropa de mujeres que venían con toda la intención de escandalizar a los más puristas y tocar rock duro creando así su propio estilo.

Gracias a aquella imagen y aquel lema de: «nos vale lo que digas y pienses»; fue que The New York Dolls (sin saberlo) sentaron las bases del punk que a mediados de la década de los 70s ya era popular en Reino Unido y gran parte de los Estados Unidos, y a pesar de que el álbum fue una decepción a nivel comercial o de ventas, tuvo un gran impacto en la crítica musical convirtiéndose en un álbum de culto que influiría en bandas como The Smiths, The Ramones, Twisted Sister, Mötley Crüe, e incluso en los Sex Pistols. Un álbum que a 50 años de su lanzamiento sigue rompiendo con paradigmas y esquemas de lo que puede y no puede ser correcto.

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Hacía 1973 unos jóvenes universitarios de nombre Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon ingresaron a los Trident Studios para empezar a grabar temas propios y poder ser lanzados en su álbum debut.

Grabando enteramente durante las madrugadas (ya que les salía más económico debido a que ellos mismos costearon de sus bolsillos el uso de los estudios) dieron forma entre 1971 y 1972 a lo que hoy en día conocemos como simplemente Queen. El álbum fue lanzado un 13 de julio de 1973.

Sin ser necesariamente un éxito, el álbum logró escalar hasta el puesto 24 de las listas británicas, Queen es un álbum crudo, directo y muestra la esencia de la banda en su primera etapa de vida, una banda dedicada a tocar en bares y centros nocturnos, viajando de bar en bar durante las madrugadas y durmiendo por las mañanas. Este es un trabajo completamente alejado a lo que cualquiera que conozca de la banda pudiera citar, la producción en un principio podría sonar muy pobre (aunque con las remasterizaciones que ha sufrido el audio ha ido mejorando), pero ese es detalle que le da un toque sumamente especial al álbum. Una atmósfera cruda y hasta en cierto punto, oscura.

En Queen se pueden encontrar joyas del tamaño de Keep Yourself Alive (muchas veces citada como influencia para músicos y bandas de thrash metal) con un solo de batería completamente salvaje por parte de Roger Taylor, Liar, o Seven Seas Of Rhye que muchos fans pueden considerar de culto, junto con Great King Rat, personalmente uno de mis temas favoritos del álbum.

El estilo único de la banda impregnado ya desde su primer trabajo nos habla de lo que la banda buscaba a futuro y que con el paso de los años se fue puliendo, sin embargo podemos decir que este es un debut que con el paso del tiempo se ha vuelto de culto y digno de escuchar durante la madrugada.

 

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Te presentamos la segunda parte de los álbumes lanzados hace 50 años.

Catch A Fire – Bob Marley & The Wailers (marzo 1973)

El quinto álbum de la banda liderada por el fallecido Bob Marley se lanzó en el mes de marzo del año ya citado, este sería el álbum con el que el cantante alcanzaría la fama mundial y lo llevaría al estrellato, los temas que abarcan el álbum son de conciencia social principalmente.

Desperado – Eagles (abril 1973)

El primer álbum conceptual de la banda y su segundo trabajo de estudio les trajo uno de los temas más exitosos de la carrera de las águilas, la misma que da nombre al álbum.

Aladdin Sane – David Bowie (abril 1973)

El sexto álbum del Duque Blanco se lanzaría en abril del 73, a pesar de que Aladdin Sane goza de excelentes reseñas en el ámbito de composiciones y música, la producción del álbum no fue muy del agrado de tanto críticos como fanáticos. La portada mostrando a Bowie con un rayo atravesando su ojo derecho se volvió en un referente e icono de la cultura pop.

There Goes Rhymin’ Simon – Paul Simon (mayo 1973)

El tercer álbum solista de Paul Simon se convirtió en uno de los álbumes más exitosos del cantautor estadounidense  en donde amplia sus horizontes musicales tocando temas de Gospel y dixieland o jazz traditional.

The Smoker You Drink, the Player Get You Get – Joe Walsh (junio 1973)

El segundo álbum del guitarrista alcanzaría un notable éxito gracias al sencillo Rocky Mountain Way, un álbum rico en géneros que combina el jazz, blues, funk y hasta el folk.

Countdown To Ecstasy – Steely Dan (julio 1973)

A pesar de que el segundo álbum de la banda recibió excelentes reseñas por parte de fans y críticos, comercialmente no tuvo el éxito que merecía o debería de tener, aún así con el paso del tiempo se ha convertido casi en un álbum de culto.

Queen – Queen (julio 1973)

El debut de Su Majestad llegó hace 50 años, un álbum con una portada sencilla donde podemos ver a quien parece ser Freddie Mercury sosteniendo su micrófono como solo él lo sabía hacer. A pesar de no tener un gran éxito comercial, aquí se comenzaría a escribir la historia de una de las mejores bandas de rock de la historia con temas como Keep Yourself Alive (con un solo de batería de Roger Taylor brutal) y Seven Seas Of Rhye.

We’re An American Band – Grand Funk Railroad (julio 1973)

El séptimo álbum de Grand Funk Railroad se convertiría en un hito dentro del desarrollo del rock pesado gracias al tema que da nombre al álbum. Rob Zombie grabaría su propia versión de We’re an American Band tiempo después.

A Passion Play – Jethro Tull (julio 1973)

El sexto álbum de la legendaria banda de rock progresivo repetiría lo escuchado en Thick as a Brick, una sola canción dividida en varios cortes que abarcan ambos lados del álbum. La historia de este álbum ha sido comparada con el libro de La Divina Comedia.

Tres Hombres – ZZ Top (julio 1973)

Llamado así en referencia al trío y al tercer álbum, Tres Hombres alcanzó un gran éxito dentro de críticos y fans, colocándolo como el mejor álbum de la agrupación hasta ese momento, al mismo tiempo este álbum contiene el tema más famoso o con el que alcanzarían fama mundial, La Grange. También ha sido incluido en la lista de los 500 Mejores Álbumes de Todos los Tiempos de Rolling Stone.

 

No te pierdas las partes subsecuentes de esta recopilación de álbumes que llegan al quinto escalón este año.

 

 

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El día de ayer, el músico británico de 76 años dio su primer concierto en el Festival de Glastonbury en Inglaterra, el cuál, según él, podría haber sido su último concierto en Inglaterra.

Elton John dijo sentirse muy emocionado ya que nunca se imaginó poder tocar en Glastonbury, el astro y leyenda viva dio las siguientes palabras a la multitud que no dejaba de ovacionarlo: «es una noche muy especial y emotiva para mí, podría ser mi último concierto en Inglaterra, en Gran Bretaña, mejor toco bien y los entretengo».

La actuación que ofreció Elton John fue en el escenario Pirámide, el principal del festival inglés, arrancó su presentación con Pinball Wizard, y se fue convirtiendo en una exitosa noche donde no faltaron clásicos como Crocodile Rock, y I’m Still Standing. Otro momento emotivo de la noche fue cuando Elton dedicó al fallecido George Michael el tema Don’t Let the Sun Go Down, quien lo citó como su amigo e inspiración.

De esta manera se estaría cerrando la gira de despedida de Elton John, pero su esposo, aseguró que el músico no dejará por completo la música ya que ya se encuentra trabajando en un nuevo álbum de estudio.

Elton John se despidió agradeciendo 52 años de apoyo, lealtad y amor.

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En el mes de mayo se dio a conocer la noticia de que Paul Di’Anno, vocalista que grabaría los primeros dos álbumes de Iron Maiden regresaría a Puebla como parte de su gira de regreso a los escenarios, esto después de que debido a problemas de salud anunciara un retiro temporal.

Esta sería la tercera visita que el ex vocalista de Maiden visitara la ciudad de Puebla, la primera sería por ahí de 2006 en el extinto Ciricua y la segunda en 2013 en el ese entonces llamado Studio 803, para su tercera visita Paul estaría tocando en el Foro Puebla.

El cantante se hizo acompañar de la banda nacional Iron What? banda tributo a Iron Maiden de renombre en México cuyo trabajo en la música fue incríble, y como invitados especiales las bandas locales Fxck The Monster, Septicem y Okktli. La presentación de Di’Anno estaba programada para las 10 de la noche, sin embargo tuvimos que esperar aproximadamente media hora para que el show diera inicio.

Fue así como a las 10:30 de la noche Paul Di’Anno apareció en el escenario del Foro Puebla con el fondo musical de La Bamba, el clásico de Los Bravos, fumando un cigarro dio las gracias a la gente que se dio cita para disfrutar de su show, para inmediatamente abrir su setlist con la instrumental The Ides Of March, tema que abre el segundo álbum de estudio de Iron Maiden, Killers; continuando con Wratchild y enseguida interpretar el clásico Sanctuary, sencillo que se lanzó en 1980,  y cuya portada que causó polémica al mostrar a Eddie decapitando a la entonces Primer Ministro de Reino Unido, Margaret Tatcher. Posterior aumentó la velocidad para interpretar la salvaje Purgatory también incluida en el Killers de Iron Maiden.

Drifter continuó con el setlist en donde podíamos ver a un Paul Di’Anno alegre y con toda la intención de ofrecer un buen show a al público poblano que se dio cita en el Foro Puebla, para Murders In The Rue Morgue Paul comenzó a denotar ligeros problemas de salud al comenzar a toser sin parar, cosa que es obvia debido a su edad, excesos durante su vida y los problemas de salud que se hicieron públicos hace un año, e incluso este año donde no pudo terminar su presentación en Ciudad de México, según él, por un malestar estomacal. Al llegar la mitad del concierto dedicó el tema Remember Tomorrow a la memoria del ex baterista de Iron Maiden, Clive Burr, quien falleció en 2013, un tema emotivo y donde Paul entregó todo al interpretarlo. La oscura e instrumental Genghis Khan llegó a buen tiempo para que Paul pudiera tomar un respiro, para después dar inicio con la extraordinaria Killers.

Brindando con el público alzando shots de tequila y cerveza, Paul seguía con buen ánimo bromeando con el público y anunciando al mismo tiempo la legendaria Charlotte The Harlot para posterior volver a tomar un respiro mientras la banda tocaba la extraordinaria Transylvania. El público enloqueció cuando llegó el momento de Phantom Of The Opera, clásico de Iron Maiden que es de los favoritos de los Maiden Fans y cuyo tema se puso en el ojo público debido al recién cover que Ghost hizo para su reciente EP. Las últimas tres canciones de la noche correspondieron a temas del primer álbum de la Doncella de Hierro, Running Free, Prowler y Iron Maiden.

Una noche con sentimientos encontrados para los fans de Iron Maiden quienes algunos veían por primera vez a Paul Di’Anno y para los que ya lo habían visto anteriormente, el escuchar los temas de los primeros dos álbum de la banda en voz de Paul siempre es un agasajo, ya que como siempre lo he dicho, a pesar de la diferencia abismal entre las voces de Bruce Dickinson y Di’Anno, esos temas cantados por Paul suenan más que excelentes. Esperamos que «La Bestia» mejore su condición de salud para una segunda vuelta por tierras mexicanas y disfrutar de otra noche especial.

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Por fin está disponible el nuevo álbum de los Foo Fighters, But Here We Are, un álbum muy emotivo en palabras del propio Dave Grohl que retrata una nueva era para la banda después de la terrible pérdida que sufrieron el año pasado, But Here We Are significa un renacimiento para la banda, una carta de sentimientos encontrados.

El álbum abre con un tema que me parece espectacular desde que se lanzó como el primer sencillo, Rescued, un tema muy fresco que recuerda los años noventeros de la banda con un mensaje muy positivo muy al estilo de Walk, un tema con mucha energía y punch, positivamente brutal que puede servirte para levantarte el ánimo si es que lo necesitas, o simplemente para hacer mucho más ameno y positivo tu día. El segundo tema Under You continúa con esa misma línea que Rescued, un con tema con mucho punch, un regreso al sonido noventero de la banda de álbumes como The Colour and The Shape, la energía de Taylor Hawkins pudiera seguir presente en este tema.

Un viaje sonora a Wasting Light llega con Hearing Voices, un marcado sonido alternativo con toda la marca compositiva de Dave Grohl, baja la energía pero vaya que el sentimiento que el feeling que impregna Dave en la letra es increíble, un estribillo magnífico. Llegamos al tema que da nombre al álbum, But Here We Are, la desgarradora voz de Dave Grohl es un grito de guerra, una manera muy sonora de decir como lo dice la canción: ¡Aquí seguimos, aquí estamos! Musicalmente podría decir que hasta este momento es el primer tema flojo que encuentro en el disco, algo plano; o tal vez al ser el tema que da nombre al disco, esperaba algo un poco más impactante.

The Glass expresa un emotivo mensaje para los que sufrieron alguna pérdida amorosa o tal vez familiar… Una canción muy ligera a comparación de lo escuchado antes, nuevamente la esencia de finales de los 90’s y principios de los 2000’s se hace presente. Nothing At All es como una montaña rusa que nos lleva a de abajo a arriba para volver a bajar de golpe, un ritmo muy pegajoso que la hace agradable a cualquier oído, el coro es un punto a destacar. Show Me How vuelve a bajar el ritmo con una balada mágica, cuyos coros te hacen querer relajarte sobre un sillón y reflexionar. Con Beyond Me parecier que la segunda mitad del disco está conformada por puras baladas, un tema que inicia acompañada del piano y una melodiosa voz de Dave, el solo de guitarra entra de manera espectacular, dando forma a un tema por más emotivo.

Nos encontramos ahora con The Teacher, el tema más largo del álbum que con sus 10 minutos de duración se convierte en el tema con más duración de la banda, puesto que anteriormente le pertenecía a Come Back con sus casi 8 minutos de duración; The Teacher es un viaje por varios cambios musicales en un solo tema, la energía alternativa característica de la banda que combina con pasajes poco progresivos y hasta oscuros, vaya que este tema podría entrar dentro de una ópera rock, la madurez musical de los Foo Fighters ya ha sido demostrada en más de una ocasión, y por si a alguien le quedaba duda de eso, en The Teacher se reafirma. El final del disco llega con Rest, cuya letra ya la podremos imaginar, no sé si dedicada a su recién fallecida madre, o a Taylor Hawkins, o a ambos, Rest cierra esta carta llamada But Here We Are, una emotiva forma de decir: nos vemos pronto. Un tema que seguramente le hará derramar una lágrima a más de uno.

Como fan de Foo Fighters (y tal vez como la mayoría) me inclinaba por Wasting Light como el mejor álbum de la banda hasta antes del lanzamiento de But Here We Are, no digo que haya sobrepasado al lanzado en 2011 pero si tiene mucho con qué competir, los Foo Fighters tocaron fondo como familia y gracias a ello tenemos uno de sus mejores discos, y por obvias razones el más emotivo de toda su discografía.