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Un 2 de febrero pero de 1989, Santa Sabina ofreció su primer concierto en un sitio llamado Salón Azteca y a partir de ahí Rita Guerrero, Patricio Iglesias, Pablo Valero, Jacobo Leiberman y Poncho Figueroa iniciaron una historia como banda y se convirtió en una de las agrupaciones más importantes de la escena rock.

A principios de la década de los noventa no era nada fácil conseguir grabaciones de los grupos de rock nacional. Había algunos como Caifanes, Fobia o La Maldita Vecindad que ya habían grabado con compañías trasnacionales y sus discos estaban incluso en los supermercados, al igual que algunos grupos argentinos y españoles pertenecientes a eso que se llamó “Rock en tu Idioma”. Pero existía una movida de bandas mexicanas que se estaba gestando cada vez con mayor fuerza en el subterráneo a las cuales no era tan sencillo escuchar si no vivías en la CDMX como para poder verlos en vivo, ya que no contaban con grabaciones formales.

En esa década no existía el Internet como ahora lo conocemos ni teníamos el mismo acceso a la información. La manera de enterarnos de la existencia de grupos mexicanos de rock era a través de algunas publicaciones que trataban de documentar lo que estaba pasando con el rock nacional, como Conecte Banda Rockera, entre otras. Pero conseguir música era más complicado pues el rock mexicano aún no era un “negocio” como se convirtió después, ni lo “underground” estaba de moda, como cantó Café Tacvba. Además, no existían tantos programas de grabación al alcance y por ende los estudios caseros eran prácticamente inexistentes, por lo que las bandas estaban obligadas a acudir a un estudio de grabación formal para grabar inclusive un demo.

Estas grabaciones no eran económicas y no cualquiera podía tener acceso a un estudio. Muchos lograron grabar sus temas gracias a algún concurso que ganaron o porque tenían un amigo que trabajaba en un estudio y les daba chance en las horas muertas para poder grabar. Por esta razón, en la escena under lo que se movía eran las cintas o cassettes, gracias a la facilidad que era grabar en ellos, sacar copias grabadas y distribuirlas incluso en cassettes vírgenes con apenas una portada en fotocopia a blanco y negro. Comenzaba a desarrollarse la piratería, pero en el caso del rock, era más bien una necesidad por difundir música que no estaba en las tiendas ni en ningún negocio formal. Si la formalidad no te daba entrada, entonces había que tocar la puerta de lo informal.

 

Dentro de esa informalidad, comenzaron a ser frecuentes las grabaciones en vivo. Se grababa la tocada sacando el audio directo de la consola central, y se vendía la grabación como “Café Tacvba en el LUCC”, en una cinta virgen acompañada con una portada poco nítida. El audio tampoco era el mejor y se terminaba haciendo una interpretación diferente de lo que era la canción. Por ejemplo, recuerdo una grabación de La Lupita en vivo donde, en lugar de escribir el título de la canción como «Paquita Disco», le escribieron “Vendo maíz”, pensando que el coro decía eso en lugar de «Dance all night». Esta forma de conocer la música de las bandas mexicanas under era lo que había y lo que muchos consumíamos al no haber otro tipo de grabaciones, y al vivir lejos de la capital. Entonces esperábamos a que algún conocido fuera al Tianguis del Chopo, comprara una buena cantidad de este material y nos lo vendiera a quienes estábamos ávidos de escuchar a las nuevas bandas mexicanas de rock.

En 1992 nace Culebra Records, un subsello de la disquera BMG, creado por Humberto Calderón, donde se le da oportunidad a grupos que venían empujando con fuerza en México. Era una apuesta por bandas con propuestas diferentes a los moldes que había creado el “Rock en tu idioma”. Los primeros tres grupos que salieron bajo ese sello, según recuerdo, fueron La Cuca, La Lupita y Santa Sabina. Aún me acuerdo la emoción que sentí al llegar a la tienda de discos y ver dentro de una vitrina los tres cassettes: La invasión de los blátidos, de Cuca; Pa’ servir a usted, de La Lupita y Santa Sabina, de Santa Sabina. Por aquel entonces ya trabajaba en un laboratorio fotográfico y tenía algo de dinero que iba guardando para mis gastos, con eso pude comprar las tres grabaciones de un solo golpe.

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La banda de Granada, Los Planetas, acaba de hacer felices a todos sus seguidores con el anuncio de una gira especial por el 30 aniversario de su álbum “Super 8”.

El primer larda duración de Los planetas que este recién estrenado 2024 cumple 30 años, sus cifras suman ocho, cumple treinta años. Tres décadas de viaje en las que la humanidad ha modificado su entorno y su propia existencia con una rapidez desconocida, experimentado crisis y transformaciones sociales, tecnológicas y culturales, acelerado la conciencia de la impermanencia y padecido las consecuencias de la fragilidad de las estructuras sociales, y Super 8 permanece, excitante y agudo, como obra referencial de la música popular contemporánea en español. Conectado con lo eterno.

Por este motivo, la banda ha anunciado una gira especial Super 8 en la que tocarán en sus conciertos en directo todos los temas del álbum. Un repertorio formado íntegramente por las pistas de “Super 8, ajustando con fidelidad instrumentación, arreglos, setlist y el resto de elementos del concierto al concepto original.

La identidad visual de la gira correrá a cargo de la limpia energía de Javier Aramburu, genial creador del universo gráfico de Super 8, que se expandirá conceptual y simbólicamente en cada concierto de la gira.

De momento no han anunciado las fechas que conformarán la gira 30 aniversario del álbum icónico “Super 8”.

 

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«Sería genial volver a subirnos a la furgoneta y rehacer la gira original»

Royal Blood ha insinuado que celebrarán el décimo aniversario de su álbum debut homónimo el próximo año.

El dúo de rock lanzó ‘Royal Blood’ en agosto de 2014. Debutó en el número uno en la lista de álbumes del Reino Unido y fue nominado al Premio Mercury.

Ahora, la banda ha adelantado sobre su nuevo álbum, ‘ Back To The Water Below ‘, que marcarán el cumpleaños histórico del disco. Las ideas todavía se están trabajando, pero ha habido menciones de presentaciones en vivo del álbum completo y tal vez una revisión de su gira original.

«Estamos trabajando en la mejor manera de hacerlo», dijo el cantante y bajista Mike Kerr cuando se les preguntó si celebrarían el décimo año del álbum.

El baterista Ben Thatcher agregó: “Sin embargo, definitivamente lo celebraremos. Tal vez un espectáculo de fuegos artificiales con música detrás y algunos drones”.

El mes pasado si los fanáticos pueden esperar una gira de aniversario de ‘Royal Blood’, Kerr dijo: «Sería genial conmemorarlo haciendo algún tipo de reproducción en su honor, pero no pienso en él. Sería genial volver a subirnos a la camioneta y volver a hacer el recorrido original. Sería divertido”.

También se les preguntó al dúo de Brighton si encabezarían el festival Reading & Leeds en 2024 para culminar un año de celebraciones. «Eso sería increíble», respondió Kerr. «Espero que podamos aumentarlo».

Hablando sobre ‘Back To The Water Below’ , Kerr dijo en respuesta a la sugerencia de que su cuarto disco es «una especie de regreso a sus raíces» que no pensaron demasiado en las cosas; Cualquiera que sea el sonido del nuevo álbum, es lo que me pareció correcto.

«Cuando tocamos juntos, eso es todo lo que se requiere para que sea Royal Blood», dijo Kerr. «Si queremos ir a un lugar nuevo, simplemente lo hacemos».

«Básicamente siempre estuvimos de acuerdo», añadió Kerr sobre el proceso creativo de trabajar en el nuevo álbum. «Rara vez tenemos desacuerdos sobre las canciones y si los tenemos, significa que está mal y pasamos a otra cosa».

«La química es todo lo que tienes», continuó. «Eso es lo que tienes que valorar y si lo dejas a un lado, pierdes el sentido de hacer esto».

«Cuando tocamos juntos, eso es todo lo que se requiere para que sea Royal Blood», dijo Kerr. «Si queremos ir a un lugar nuevo, simplemente lo hacemos».

«Básicamente siempre estuvimos de acuerdo», añadió Kerr sobre el proceso creativo de trabajar en el nuevo álbum. «Rara vez tenemos desacuerdos sobre las canciones y si los tenemos, significa que está mal y pasamos a otra cosa».

«La química es todo lo que tienes», continuó. «Eso es lo que tienes que valorar y si lo dejas a un lado, pierdes el sentido de hacer esto».

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kerigma nos regala una noche inolvidable en el Teatro de la ciudad Esperanza Iris celebrando 40 años de rock and roll que han marcado momentos importantes de nuestras vidas .

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La banda tocará la obra maestra del punk acústico en su totalidad

Violent Femmes ha agregado una etapa de otoño en América del Norte a su gira del 40 aniversario en curso para celebrar el 40 aniversario de su icónico álbum debut homónimo.

Mientras que el tramo de primavera llegará a lugares en la mitad occidental de los Estados, el tramo de otoño se centrará principalmente en la costa este y el medio oeste. La salida comienza el 3 de octubre en Milwaukee y continúa hasta el 22 de octubre en Richmond, Virginia.

Como lo hicieron en la primera etapa de la gira, Violent Femmes tocará su LP debut en su totalidad en cada show. La obra maestra del punk acústico presenta clásicos como «Blister in the Sun», «Kiss Off», «Add It Up» y «Prove My Love», entre otros.

Una preventa de Live Nation comienza el miércoles (7 de junio) a las 10 am hora local usando el código DISCO a través de Ticketmaster . La venta general de boletos comienza el viernes (9 de junio) a las 10 am hora local. Los fanáticos también pueden buscar ofertas o recoger boletos para espectáculos con entradas agotadas a través de StubHub , donde su compra está 100 % garantizada a través del programa Fan Protect de StubHub.

El espectáculo inaugural en la ciudad natal de Violent Femmes, Milwaukee, contará con la banda tocando junto a la Orquesta Sinfónica de Milwaukee, mientras que dos noches en el DeVos Performance Hall en Grand Rapids, Michigan, las Femmes tocarán con la Sinfónica de Grand Rapids.

Vea las fechas de la gira de otoño de Violent Femmes a continuación, y compre boletos para los próximos espectáculos aquí .

Fechas de la gira 2023 de Violent Femmes:
03/10 – Milwaukee, WI @ Bradley Symphony Center *
04/10 – Madison, WI @ The Sylvee
05/10 – Chicago, IL @ Riviera Theatre
06/10 – Grand Rapids, MI @ DeVos Performance Hall *
7/10 – Grand Rapids, MI @ DeVos Performance Hall *
9/10 – Cleveland, OH @ TempleLive en Cleveland Masonic
11/10 – Toronto, ON @ Queen Elizabeth Theatre
12/10 – Montreal, QC @ MTELUS
13/10 – Boston, MA @ MGM Music Hall
14/10 – Kingston, NY @ Ulster Performing Arts Center
15/10 – New Haven, CT @ College St Music Hall
17/10 – Nueva York, NY @ Webster Hall
18/10 – Sayreville, NJ @ Starland Ballroom
10/20 – Baltimore, MD @ Rams Head Live!
21/10 – Norfolk, VA en The NorVa
22/10 – Richmond, VA en The National

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Precisamente, a raíz de este 29 aniversario del trágico acontecimiento, su hija, Frances Bean Cobain, ha recordado a su padre con una emotiva instantánea

Este pasado fin de semana conmemorábamos la muerte de una de las grandes leyendas de la música. Una de esas estrellas que vinieron para cambiarlo todo, pero que, lamentablemente, tuvieron un final adelantado. Hablamos de Kurt Cobain, el arrollador líder de Nirvana, que se quitaba la vida el 5 de abril de 1994.

Precisamente, a raíz de este 29 aniversario del trágico acontecimiento, su hija, Frances Bean Cobain, ha recordado a su padre y ha aprovechado para lanzar un emotivo mensaje sobre las enfermedades mentales y lo importante que es no sufrirlas en silencio. Recordamos que Frances Bean, quien actualmente tiene 30 años, era sólo un bebé cuando su padre falleció. Como decimos, las palabras sobre las enfermedades mentales que podrás leer a continuación, venían acompañadas de una emotiva foto con su padre.

«Hace 29 años, Kurt decidió trasladarse a un lugar nuevo. A lo desconocido. Dejó atrás tantas preguntas… tantos ‘síes’. Si usted o alguien que conoce sufre una enfermedad mental, como la depresión, por favor llame a alguien, hable con alguien. Se pueden hacer diferencias. El suicidio es una solución permanente a un problema temporal».

 

29 años sin Kurt Cobain

Fue en abril, pero en 1994 cuando el mundo de la música tuvoque lamentar una de sus pérdidas más relevantes de la década. El cuerpo sin vida de Kurt Cobain fue hallado sin vida con una nota de suicidio que rezaba «Es mejor arder que desvanecerse», dedicada a Boddha, su amigo imaginario de la infancia.

Su vida estuvo llena de altibajos ya que, a pesar de cosechar un notable éxito con Nirvana, estaba protagonizada por una inconstante etapa de miserias, depresión y tendencias suicidas. No aceptaba la fama como forma de vida y la popularidad de la que gozaba era todo un inconveniente en su día a día.

En una reciente entrevista para la BBC (a través de Ultimate Classic Rock), Dave Grohl, batería de Nirvana y actual líder de Foo Fighters, recordaba así los días posteriores a la muerte de Kurt:

No tenía, realmente, un plan. Cuando todo da la vuelta y se sacude así, te levantas cada días pensando: ‘¿Quién soy? ¿Dónde estoy? ¿Qué estoy haciendo’. Recuerdo el día después de que Kurt muriese, cuán raro se sentía levantarse sabiendo que ya no estaba con nosotros y que yo, sin embargo tenía un día más. Como, okey, ¿qué voy a hacer yo con el ahora?”.

Creo que, cuando pensé eso, me empecé a dar cuenta: ‘Oh, vale, tienes que hacerlo todo de nuevo’. Me refiero que tenía que prepararme el café y era el primero que me iba a beber desde que murió Kurt. Tengo que subir las escaleras y vestirme. Esto es lo primero que me voy a poner desde que se murió Kurt. Seguí así todo el rato. Honestamente, no sé lo que hice, pero fue un proceso que duró meses”.

Entonces, Grohl tuvo que enfrentarse a crear un nuevo proyecto en solitario, Foo Fighters, que, aunque triunfó, no estuvo libre de problemas. “Sé que no sueno bien, pero, ¿cómo luzco? ¿Cómo sujeto mi guitarra? ¿Cómo hago esto? ¿Cómo me muevo? Nunca estaba en el momento. Tenía mucho miedo. Y, entonces, algo cambió. Hubo un momento en el que me dije: ‘¿Sabes qué? No voy a perder más tiempo estando nervioso o muerto de miedo. Voy a salir ahí fuera como si fuera el puto Julio Cesar”.

 

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El primer álbum en vivo oficial de Black Sabbath, ‘Live Evil’, celebra su 40 Aniversario este año con una nueva edición Súper Deluxe, que presenta nuevas versiones remezcladas y remasterizadas del histórico álbum doble.

El álbum se publicará el 2 de junio de este 2023, en formato de 4CDs, 4LPs y Digital. Esta nueva edición presenta dos versiones del legendario álbum: una versión recientemente remasterizada por el afamado masterizador Andy Pearce (Sinatra, Motörhead, Rory Gallaguer, Status Quo) junto con una nueva mezcla creada a partir de las múltiples pistas analógicas originales por el prestigioso productor americano Wyn Davis (Foreigner, Dio, Dokken Great White), que trabajó mucho junto a Black Sabbath. Los formatos 4CDs y 4LPs incluyen nuevos libretos de tapa dura, con nuevos textos, fotos, réplicas del libro del concierto y el póster oficial de la gira mundial Mob Rules.

Cuando llegó ‘Live Evil’ en 1983, el álbum fue un triunfo comercial y por parte de la crítica, alcanzando el puesto 13 en el Reino Unido y el puesto 37 en el Billboard Top 200 de USA. Las críticas fueron abrumadoramente positivas, incluida una de la influyente revista de Kerrang!. que lo aclamó como “uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos”.

Las grabaciones capturan totalmente la química feroz y la magia que definieron esta reencarnación de Black Sabbath con emocionantes versiones en vivo de temas recientes como «Neon Knights», «The Sign Of The Southern Cross», «Voodoo», “The Mobe Rules” «Children Of The Sea». El álbum también honró la formación original de la banda con versiones cantadas por el gran Ronnie James Dio y de clásicos anteriores (época Ozzy) de Sabbath como «Paranoid», «War Pigs», «Iron Man» y «N.I.B».

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Compartió una fotografía del líder de Nirvana, tomada por R.E.M. cantante Michael Stipe
Courtney Love recordó a su esposo y líder de Nirvana, Kurt Cobain, en el 29 aniversario de su muerte.

Cobain murió por suicidio el 5 de abril de 1994 y Love compartió una fotografía de él para conmemorar el aniversario a principios de esta semana.

La foto, de las manos de Cobain, fue tomada por R.E.M. el líder Michael Stipe, como reveló Love.

“Me encantan las manos hermosas, es lo primero que miro en otra”, escribió. “Me encanta que la única fotografía de Kurt que tomó [Stipe], a pesar de ser un amante de todo tipo de belleza, kudzu, @helenachristensen, river pheonix; docenas, si no cientos, de hermosas fotos de personas que encuentra y ve su ‘Shen’ (una palabra china de lo que hay en los ojos, traducida libremente como ‘mojo’ pero más sobre el ‘brillo’)

“Pero Michael vio estas manos. Estas hermosas manos zurdas como un votivo / un mudra, una toma de esta singular y poderosa fotografía de mi llama gemela. Es una de las únicas imágenes (o sonidos/gustos, etc.) que me hace extrañarlo profundamente”.

Ella agregó: “Pero cantó conmigo y a menudo, y realmente se sintió conmovido por nuestra práctica budista. Por lo tanto, sé que está en un lugar iluminado, más que nosotros aquí en Mappo.
“Los brazos de 1000 Budas extendidos para saludarte”, dice el gosho.
Nam myoho renge kyo querido Kurt D. C. te amamos y extrañamos”.

 

En un tributo separado, la hija de Love y Cobain, Frances Bean Cobain, escribió en sus Historias de Instagram: “La vida es como una ola rompiendo en la orilla (y) la muerte es como la ola que regresa al océano, a su estado más natural. Libre de dolor o preocupación humana… la muerte tiene un propósito.

“Es lo que hace que la vida sea tan preciosa, de la misma manera que el dolor tiene un propósito porque no conoceríamos la alegría sin él”.
Love dijo recientemente que Lana Del Rey y Cobain son los únicos «verdaderos genios musicales» que ha conocido. “Con eso quiero decir que pueden hacer cualquier cosa con Spielberg”, dijo.

 

News GR Opiniones Reseñas Un día como hoy

Un 2 de febrero de 1981 Iron Maiden lanzaba su segundo álbum de estudio, llamado Killers, donde el primer tema a destacar es la portada, brutal con un Eddie agresivo y mejor trabajado, portando un hacha en la mano y con una sonrisa completamente diabólica, a mi punto de vista, una de las mejores portadas de Iron Maiden y de la historia del metal.

Después de haberle dado las gracias a Dennis Straton con la excusa de que no encajaba bien con el estilo de la banda, Dave Murray recomendó a uno de sus amigos de la adolescencia, un joven de nombre Adrian Smith. Así que con esta alineación, Iron Maiden grabaría el que sería el último álbum con Paul Di’Anno en la voz.

En Killers podemos escuchar una mejora en la producción a diferencia de su álbum debut, esto gracias al productor Martin Birch, quien ya había trabajado con Black Sabbath, Deep Purple, Rainbow, Whitesnake, etc.

Abriendo con una pieza instrumental que impone de manera magistral, The Ides Of March da paso a Wratchild, un tema sencillo, compacto y que su sonido trata de dar un aire rockero fresco.

El tercer tema, Murders On The Rue Morgue trataba de subir el tono y la velocidad al álbum, con unas melodías iniciales que sonaban como si fueran parte de una película de terror, Murders On The Rue Morgue está basada en el cuento Los Crímenes de la Calle Morgue de Edgar Allan Poe.

Another Life trataba de mostrar un lado más punk, dando una comodidad impecable a la voz de Paul Di’Anno, que como sabemos, una de sus principales influencias fue el punk de mediados de los 70’s. Para este punto todo parecía sonar en orden, si bien la voz de Di’Anno no era la más prodigiosa, el feeling que le ponía era innegable.

Genghis Khan, el segundo tema instrumental del álbum, a mi parecer parece querer seguir con esa línea marcada por Murders On The Rue Morgue, con un aire de suspenso, un tema disfrutable que no te dice para nada como es que va a terminar. Innocent Exile mostraba las influencias progresivas de Steve Harris en aquellos puentes y estribillos, una cosa magnífica si se puede llamar así. Killers el tema que da nombre al álbum retoma esa velocidad de Murders On The Rue Morgue y Another Life, pero con la intención de sonar mucho más pesado.

La única balada (si así se le podría llamar) corre a cargo de Prodigal Son, un tema enigmático y hasta melancólico que hace notar de  una manera muy agradable los tonos bajos de la voz de Paul Di’Anno, para subir la velocidad de manera abismal con Purgatory con un riff que ya comenzaba a tomar forma como el clásico sonido de Iron Maiden, creo que Purgatory podía ser el tema más pesado y metalero del álbum.

Para cerrar con Drifter, un tema que vuelve a mostrar las influencias progresivas de Steve Harris, pero que a mi punto de vista, pasa sin pena ni gloria en el álbum. Para la edición norteamericana se incluyó el tema Twilight Zone que goza de ese mismo aire progresivo mencionado anteriormente.

Un buen álbum con el que Paul Di’Anno se despediría de Iron Maiden debido a que según Steve Harris, las adicciones de Paul no lo estaban llevando por buen camino y sentían que de seguir con ellos, la banda se estancaría musicalmente. Menor en comparación con la brutalidad que presentaron con su álbum debut, pero a pesar de esa opinión, Killers ha sabido envejecer bien para sus 42 años y sonando igual de fresco que en aquellos años.

Cine

Hace ya 19 años, el 3 de Octubre de 2003, se estrenaba The School of Rock.

Dejamos algunas imágenes de para algunos la película en la cual Jack Black se interpretaba a si mismo y en la cual trata sobre un reemplazante de profesor (título que no tiene Dewey Finn su personaje) que recibe una oferta de trabajo y de forma astuta el toma en vez de quién correspondía.

Cómo era de esperarse las cosas no resultaron fáciles y a pesar de estar a cargo de un curso de chicos disciplinados, esto pasa al olvido debido a los métodos que ocupa Finn para entregar sus conocimientos musicales en vez de los tradicionales, cosa que le trae más de un problema, pero el se las ingenia para seguir adelante.

La meta es competir en un festival de bandas lo cual logra enseñando como tocar instrumentos y designado a los que serían los miembros de su banda (plan que los chicos no conocían).

A pesar de que se pensaba que no podrían presentarse por varios sucesos ocurridos durante la trama, consiguen dar la audición y sin la banda más aclamada y vitoreada ( no ganan el premio pero son traídos de vuelta al escenario debido a su éxito a interpretar otra canción.

La banda sonora trae clásicos del Rock cómo:
Inmigrant song Led Zeppelin, Smoke on the water de Deep Purple y Highway To hell, entre otras muchas excelentes canciones.