Cine

Hubo un tiempo en el que parecía que la vida rara vez era tan buena como para Christopher Reeve. Después de todo, era la encarnación de uno de los superhéroes más icónicos jamás creados, y décadas después de que apareció en la pantalla como Superman, todavía se discute si su actuación sigue siendo la mejor o no. Pero aún así, incluso eso estaba teñido de un poco de amarga tristeza detrás de escena: cuando su padre se enteró de que había conseguido el papel, se sintió tremendamente decepcionado. Los propios colegas de teatro de Reeve, en particular William Hurt, le dijeron que se estaba vendiendo al aceptar el papel.

Luego, por supuesto, está el elefante en la habitación: su accidente de 1995. Reeve fue arrojado de su caballo y quedó paralizado de los hombros para abajo, y ha sido sincero acerca de lo profundamente devastador que fue. En el documental «Super/Man: The Christopher Reeve Story», dijo (a través de Variety ), «Me di cuenta de que había arruinado mi vida y la de todos los demás». Es un peso muy pesado que soportar… incluso para Superman.

También hay una nota a pie de página sobre esto. Reeve enfrentó la vida posterior al accidente con el invaluable apoyo de un amigo particularmente bueno: Robin Williams. Cuando Glenn Close fue entrevistada para el documental, dijo que los dos eran tan cercanos que creía plenamente que si Reeve no hubiera fallecido en 2004, Williams no habría muerto diez años después. En última instancia, la historia de Reeve es una historia de luchas (públicas y privadas) y de inspiración que se encuentra en la fuerza del espíritu humano.

Es casi impensable que un padre pueda sentirse decepcionado porque su hijo fue elegido como uno de los superhéroes más emblemáticos del mundo, pero eso es exactamente lo que enfrentó Christopher Reeve cuando le contó a su padre, Franklin Reeve, sobre su ahora famoso papel. Cuando Christopher habló con la revista Interview sobre el desarrollo de su carrera, dijo que había invitado a cenar a su padre para decirle que lo habían elegido como Superman. Inicialmente lo aprobó, pero dio paso a la desaprobación cuando se dio cuenta de que no era una producción de «Man and Superman» de George Bernard Shaw.

Aparentemente, Christopher estaba acostumbrado a la desaprobación y una vez dijo (a través de The Guardian ): «Era difícil respirar con tranquilidad cuando él estaba cerca». En «Superhero: A Biography of Christopher Reeve» de Chris Nickson, él revela que la vida familiar siempre fue increíblemente difícil, antes y después del divorcio de sus padres. «Mi padre y mi madre siempre estaban peleando por mí y, por lo tanto, se anulaban mutuamente. En consecuencia, crecí sin querer depender de ellos ni de nadie más… Tenían una tendencia a utilizarme como pieza de ajedrez.

Cuando Christopher se llevaba muy bien con su padrastro, eso creó una brecha aún mayor entre padre e hijo. El segundo matrimonio de su madre también terminaría en divorcio, y en su biografía «Somewhere in Heaven: The Remarkable Love Story of Dana and Christopher Reeve», Christopher Anderson lo citaría diciendo: «No inspiró precisamente confianza en la capacidad de los hombres». y las mujeres tengan algún tipo de relación duradera».

Christopher Reeve dijo a la revista Interview: «Puede que la gente nunca entienda esto… pero la idea de que yo interprete a Superman está muy lejos de lo que me educaron para aspirar». Continuó explicando que «me empujaron… en la dirección de una especie de vanguardia… teatro de revuelta». Aunque dijo que sabía que eso no era realmente quién era, ir en la dirección completamente opuesta tampoco fue completamente satisfactorio.

Durante su juventud, Reeve era algo así como un outsider y encontró en el teatro un lugar donde podía sentirse cómodo y encontrar un lugar donde encajar. También tenía asma, alergias severas, alopecia y la enfermedad de Osgood-Schlatter, una condición que puede causar dolor severo en la rodilla. Como tal, su experiencia en teatro y su inexperiencia en películas lo hicieron especialmente mal preparado para estar asociado de manera tan permanente con Superman.

También lamentó las secuelas por otras razones. En «Somewhere in Heaven: The Remarkable Love Story of Dana and Christopher Reeve», Christopher Anderson lo cita diciendo: «‘Superman IV’ fue una catástrofe de principio a fin. Ese fracaso fue un duro golpe para mi carrera». Cuando al año siguiente se estrenó la desastrosa «Switching Channels», Reeve lo vio como «el final de mis nueve años de carrera como estrella de cine de primer nivel». No recibía llamadas, no recibía ofertas y su intento de ser una estrella aparentemente había fracasado.

Entre el lanzamiento de «Superman III» y «Superman IV», Christopher Reeve se encontró en una encrucijada. En ese momento había estado en una relación con la madre de sus dos hijos durante aproximadamente una década, pero se habían distanciado hasta el punto de que la decisión de separarse se tomó a través de comunicaciones de larga distancia. También acordaron que, mientras él regresaba a Estados Unidos, su pareja Gae Exton (en la foto) y sus dos hijos vivirían en Inglaterra.

Reeve y Exton lograron mantener gran parte de esto fuera de los medios, aunque, según la biografía de Chris Nickson, «Superhero: A Biography of Christopher Reeve»,  Reeve dijo: «No es dulce ni falso, pero seguimos siendo amigos. Eso es realmente todo lo que hay que decir. Esa es toda la verdad». Aún así, detrás de escena, Reeve se tomó la separación increíblemente duro y luchó contra la depresión cuando se enfrentó a la separación, junto con su carrera en apuros.

«Somewhere in Heaven: The Remarkable Love Story of Dana and Christopher Reeve» de Christopher Anderson añade que hubo más que una separación. Estaba devastado por la idea de que estaba haciendo lo mismo que habían hecho sus padres y rompiendo la familia de sus hijos tal como lo habían hecho con la suya. Reeve explicó: «Sabía que siempre sería parte de sus vidas, pero al separarnos, simplemente estábamos representando lo que había visto en mi familia, una y otra vez. Fue doloroso».

Silueta de silla de ruedas de Christopher Reeve

Christopher Reeve tenía 42 años cuando participó en el viaje que cambiaría su vida. En 1995, cuando su caballo se resistió a dar un salto, Reeve pasó por encima de la cabeza del caballo y le rompió dos vértebras del cuello, además de sufrir otras lesiones en la médula espinal. Más tarde, Reeve lo describiría como una «herida del ahorcado», porque era similar a lo que sucede cuando alguien cae de la horca.

El accidente le provocó a Reeve una gran angustia mental, tal y como relata en su libro “Still Me” : “El pensamiento que no dejaba de pasar por mi mente era: He arruinado mi vida. He arruinado mi vida, y sólo te queda una. .. Soy un idiota. Lo he estropeado todo.» Se revelaron más detalles en el libro de Christopher Anderson, «Somewhere in Heaven: The Remarkable Love Story of Dana and Christopher Reeve», donde dice que pasaron cinco días antes de que Reeve pudiera aceptar someterse a una cirugía mayor para volver a unir su cráneo y columna.

Esa cirugía fue programada para el día después del tercer cumpleaños de su hijo, y cuando Reeve vio más tarde un video de la fiesta a la que no había podido asistir, lo vio entre lágrimas mientras se enfrentaba a la enormidad de lo que se iba a perder. . Esas semanas en el hospital fueron muy largas y giraron en torno a lo que él llamaba «las horas del demonio». Eran las primeras horas de la mañana cuando los sedantes desaparecían y no le quedaba nada que hacer más que quedarse despierto y pensar.

Christopher Reeve sonriendo en silla de ruedas por la playa

Unos años después del accidente de equitación que lo dejó paralizado, el periodista Jeffrey Zaslow se sentó con Christopher Reeve. Como Zaslow escribió más tarde en  The Wall Street Journal , Reeve originalmente no tenía intención de vivir otra cosa que no fuera una vida activa, explicando: «Recuerdo haberle dicho a mi hermano: ‘Si no pudiéramos tener la libertad de bucear, de volar, «Para jugar al tenis, la vida no valdría la pena vivirla. Sería mejor desconectarse».

Inmediatamente después del accidente, Reeve no estaba solo con ese pensamiento: su madre, Barbara Johnson, después de que le informaron de la probabilidad de que quedara paralizado por el resto de su vida, afirmó que querría que le quitaran el soporte vital y le practicaran procedimientos que le salvaran la vida. se detuvo y no se intentó ninguna intervención quirúrgica.

Dana Reeve insistió en que sólo Christopher podía tomar esa decisión, y una vez que estuvo plenamente consciente y consciente, inicialmente estuvo de acuerdo. Según el libro de Christopher Anderson, «En algún lugar del cielo: La notable historia de amor de Dana y Christopher Reeve», su médico, el Dr. John Jane, dijo: «Al principio, Chris quería morir, sin duda… No lo hizo». No siento que valga la pena vivir esta nueva vida a la que se enfrentaba». No fue hasta que Dana hizo una declaración de amor y una promesa de estar a su lado durante todo el viaje, independientemente de lo que eligiera, que aceptó someterse a la cirugía para volver a unir su cráneo y columna.

Christopher Reeve se convirtió en un famoso defensor de la sensibilización sobre los problemas relacionados con la parálisis. Tres años después de su accidente, dijo al Washington Post: «No estamos simplemente sentados. Nuestros cuerpos se están descomponiendo. Y cuanto más tiempo estás sentado en una silla, más problemas surgen». Reeves hablaba mucho de sus propias circunstancias, ya que ya había pasado por algunas emergencias médicas aterradoras.

En un caso que puso en peligro su vida, tuvo una reacción alérgica grave a un nuevo medicamento y sufrió un shock anafiláctico. La experiencia cercana a la muerte le infundió un miedo omnipresente; cuando se enfrentó a la necesidad de desconectar su aparato respiratorio y soporte vital para trasladarlo de su cama a su silla de ruedas, pasó por una ansiedad extrema.

Las llagas eran comunes y, en un caso, una llaga del tamaño de un puño le llegaba hasta los huesos. Durante esos tres años transcurridos desde el accidente, había sido hospitalizado 11 veces y regularmente se enfrentaba a infecciones, coágulos de sangre, huesos rotos, colapso pulmonar y presión arterial alta crónica agravada por las torceduras de su equipo médico. Estuvo a punto de perder una pierna a causa de una infección, era muy susceptible a sufrir un golpe de calor y vivía con el temor casi constante de que su equipo respiratorio fallara, lo que en realidad sucedió: en un incidente, estaba en el hospital cuando se desenganchó la manguera, y todo lo que pudo Lo que debía hacer era esperar que alguien se diera cuenta a tiempo.

En 2001, la legislación había impuesto importantes restricciones a la investigación con células madre, encabezadas por grupos que argumentaban que representaba una destrucción inmoral de la vida humana. En respuesta, Christopher Reeve participó activamente en la campaña para promover dicha investigación.

Reeve fue entrevistado en 2003 por  The BMJ sobre su trabajo para la Christopher Reeve Paralysis Foundation y la promoción de la investigación con células madre. Como uno de los cientos de miles de personas afectadas por la parálisis sólo en Estados Unidos y Gran Bretaña, dijo que era una farsa que se hubieran bloqueado los caminos no sólo en la investigación de la parálisis, sino también en innumerables otras afecciones y enfermedades que incluían el Parkinson, el cáncer, e incluso diabetes.

También fue sincero sobre lo difícil que era observar cómo grupos que discutían sobre la santidad de la vida bloqueaban investigaciones que podrían cambiar vidas, mientras millones de personas que podrían haber sido ayudadas por el resultado de esa investigación seguían sufriendo: » No puedo comprender una objeción moral a rescatar esos embriones, literalmente de la basura, para usarlos en la investigación con células madre. No puedo entenderlo en absoluto». Continuó: «Ha sido realmente devastador ver cómo se desacelera el ritmo del progreso debido a la controversia política. Pensé que la esperanza de recuperación y de mejores resultados para los pacientes dependería de la ciencia. No anticipé que la esperanza sería tan grande». afectado por la política.»

El trágico accidente que cambió la vida de Christopher Reeve ocurrió justo antes del tercer cumpleaños de su hijo, y en ese momento estaban sucediendo muchas cosas. Reeve iba a protagonizar una versión de «Kidnapped» de Robert Louis Stephenson, y mientras él, su esposa y su hijo pequeño vivían en Irlanda, tenían la firme intención de tener otro hijo.

El accidente de Reeve cambió todo eso y, según le dijo más tarde a The Wall Street Journal, hubo un tiempo después del accidente en el que todavía habían considerado agregarlo a su familia. Al final decidieron no hacerlo, por una razón desgarradora: Reeve no creía que fuera justo que un niño creciera con un padre que nunca podría abrazarlos.

Dana Reeve ha dicho que aunque sabían que habían tomado la decisión correcta para ellos, aún así fue difícil. «Anhelamos la otra vida», explicó, diciendo que ambos encontraron sus días animados por los recuerdos del pasado, junto con el apoyo de amigos y familiares, y las muchas, muchas cartas que recibieron de personas que estaban pasando por algo de los mismos desafíos. También notó que siempre existían los sueños, y en sus sueños, él podía volver a hacer todas las cosas que le encantaba hacer.

Christopher, Dana y Will Reve con Robin Williams

Christopher Reeve (en la foto de 2004 con su esposa, su hijo y Robin Williams) murió el 10 de octubre de 2004 y había sido hospitalizado en el momento de su muerte. La causa oficial fueron complicaciones por una infección que surgió de una herida por presión por la que estaba siendo tratado, y es algo escalofriante. Las llagas por presión son una complicación increíblemente común pero potencialmente mortal que podría desarrollarse a partir de algo tan simple como un hematoma, que podría pasar desapercibido para los pacientes paralizados debido a la falta de sensación. En el caso de Reeve, a pesar del tratamiento, la infección mortal se extendió por todo su organismo.

Su muerte se produjo un año después de haber optado por una cirugía que le permitiría respirar por sí solo, y apenas un mes antes de su fallecimiento, le había dicho a Oprah Winfrey que era optimista de que volvería a caminar (según The New York Times ). . De hecho, ese había sido uno de sus objetivos desde hacía mucho tiempo; a menudo había dicho que algún día quería poder sostener un vaso y brindar por todos los que lo habían ayudado en su viaje.

Reeve tenía 52 años en el momento de su muerte, después de lo cual su esposa, Dana Reeve, emitió un comunicado (a través de The Guardian ) agradeciendo no sólo al personal médico que había trabajado con su familia durante la década anterior, sino también a «los millones de fans de todo el mundo que han apoyado y amado a mi marido a lo largo de los años».

Christopher y Dana Reeve se casaron en 1992, tres años antes de que ella se convirtiera en su cuidadora, defensora y defensora de los demás: en el momento de su muerte, habían recaudado más de 46,5 millones de dólares para investigaciones médicas. Luego, apenas 10 meses después de su muerte, le diagnosticaron cáncer de pulmón, a pesar de no haber fumado durante toda su vida. Dana murió 17 meses después de Christopher, dejando atrás a su hijo adolescente, Will.

Antes de su muerte, Dana había hablado con The Wall Street Journal sobre su diagnóstico y cómo había cambiado la forma en que veía sus luchas. «Como cuidador, siempre pensé que tenía empatía por la situación de Chris… pero a medida que paso por varias pruebas, incomodidades e incertidumbre sobre el futuro que el cáncer puede traer, siento una conexión fuerte y visceral con lo que pasó Chris. » ella dijo.

En 2018, su hijo, Will Reeve, le escribió una carta a su yo de 13 años (a través de CBS News ). Escribió (en parte) sobre sus recuerdos: «Estás en una habitación de hospital en la ciudad de Nueva York y acabas de decirle adiós por última vez a mamá. Tienes 13 años. Ella tiene 44, cáncer de pulmón. Nunca fumó. Se fue». , al igual que papá, que murió hace un año y medio, que en ese momento era lo más bajo que habías estado. Ahora estás en un nuevo fondo y estás aterrorizado, confundido y muy triste. ¡Pero! Éstas son las buenas noticias: este es el punto más bajo. No hay otro lugar adonde ir que arriba».

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El Príncipe de las Tinieblas se decanta por esta década como su favorita de la historia del rock

Ozzy Osbourne se ha decantado por su década favorita de la historia del rock en un nuevo episodio de su podcast, ‘The Osbournes‘, en el que también ha hablado sobre las diferencias entre las diferentes generaciones de personas que viven en el mundo.

Cuando Kelly Osbourne le preguntó a Ozzy y a Sharon por su década favorita, Ozzy no dudó en contestar: «La generación de los 80. Hubo muchísima música en los 80. Los 70 también estuvieron bien, pero si tuviera que elegir una década mejor, diría que los 80».

Sharon, eso sí, tiene otras preferencias: «Creo que los 70 fueron tan geniales porque las cosas cambiaban muy deprisa [chasquea los dedos]. Todo estaba cambiando».

Ozzy recuerda hablar con Sharon en aquellos tiempos locos y decir: “Esto va a durar para siempre”. Sin embargo, con los ’90 también llegó un cambio abruto. «Apagamos los 80 y empezaron los 90. Todo había cambiado. Lo recuerdo«, explica El Príncipe de las Tinieblas. «Los 90 pasaron tan rápido para mí que es como si alguien hubiera apagado las luces».

«Creo que en cada década hay cosas buenas y malas«, reflexionó Sharon.

“Boomers” contra la Generación Z

Durante la charla, Ozzy y Sharon también hablaron sobre lo distintas que son las personas de la generación de los “Baby Boomers” en comparación con la más contemporánea Generación Z.

«No hay comparación posible, porque a los niños se les veía y no se les oía«, recuerda Sharon. «Si estabas en la escuela y te portabas mal (hace mímica de ser golpeado con una regla). En casa, lo mismo».

Ozzy añadió: «Nunca… irías a por una pistola y dispararías a la gente en el colegio».

La pareja luego discutió lo difícil que debe ser ser un niño en la sociedad actual con todo la sobrecarga de información a la que estamos todos sometidos.

«No sé si la información de que disponen las nuevas generaciones es buena o mala. Demasiado de cualquier cosa es demasiado«, dijo Ozzy, añadiendo entonces sobre las redes sociales. «Nunca hay cosas buenas».

«Es duro ser un niño en cualquier momento, pero ahora con las redes sociales es jodidamente difícil», añadió Sharon. «Hay demasiada información todo el día. Hay gente que se exhibe. Es difícil ser un niño ahora mismo. Lo comprendo. Pero al mismo tiempo, muchos niños se crían sin moral, sin modales, sin respeto y con muy poca experiencia de la vida».

 

 

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La ciencia fue capaz de determinar qué necesitaba una pista para ser la peor, información que un trío de científicos tomó para crearla.
La ciencia parece estar a la orden del día para brindar un dato asombroso sobre algún tópico, por ejemplo la música. Anteriormente te contamos cuáles son las 10 canciones más pegadizas de todos los tiempos, cuál es el tema más relajante y quién es el mejor cantante de la historia según estudios. Sin embargo, la ciencia también determinó qué necesitaba una pista para ser la peor, información que un trío de científicos tomó para crearla.
Según Far Out Magazine, “The Most Unwanted Song” es la obra de Vitaly Komar, Alex Melamid y David Soldier, expertos que, tras recopilar datos sobre los peores sonidos de la música, dieron con la peor canción. El tema fue escrito incorporando los resultados de una encuesta que preguntaba sobre los elementos musicales menos deseables para las personas. La lista incluía política, música vaquera, gaita, ópera, rap, voces infantiles y jingles publicitarios, por lo que los científicos los incorporaron en esta canción de 22 minutos.
Por otro lado, Komar, Melamid y Soldier también dedicaron tiempo para dar con el resultado opuesto: “The Most Wanted Song”. Este fue el resultado de una encuesta que preguntaba sobre los elementos musicales más deseados por la gente: amor, un saxo, una propuesta de matrimonio, rellenos de batería electrónica cursi, aumentos de cuerdas, armonías empalagosas, entre otros componentes. Estos atributos se resumieron en esta canción.

 

Cultura News GR

Jalisco está celebrando 200 años de haberse convertido en un estado libre y soberano, pero detrás de esta lucha y este gran logro, hay una historia que los ha llevado hasta donde se encuentran el día de hoy. Su gente y su fuerza los han colocado en uno de los estados más importantes de México, es por eso que queremos contarte la historia de Jalisco, la importancia de la misma y su relevancia no solo en nuestro país, sino de manera mundial.

La aparición de los primeros pobladores en las tierras del actual estado de Jalisco se puede aproximar hace más de 15 mil años, mucho antes de la llegada de los españoles. En la época prehispánica de Jalisco, la región estaba habitada por diversas culturas indígenas, entre las que destacaban: nahuas, otomíes y especialmente los tecuexes y caxcanes.

Unos años después y para ser exactos en el año de 1522, el español Nuño de Guzmán llegó a la región y comenzó la conquista de los pueblos indígenas. Fundó la ciudad de Guadalajara en 1542 y estableció la colonia de Nueva Galicia, que abarcaba gran parte de lo que hoy es el estado de Jalisco. Los españoles sometieron a la población indígena,  para después fundar encomiendas y haciendas para la explotación de recursos.

Durante el periodo de la independencia de México, Jalisco tuvo un papel importante. El cura Miguel Hidalgo, considerado el padre de la independencia, inició la lucha en el pueblo de Dolores, Guanajuato, en 1810. Posteriormente, las tropas insurgentes bajo el mando de José Antonio Torres «El Amo Torres» y después por Ignacio López Rayón, ingresaron a Jalisco y liberaron la ciudad de Guadalajara en 1811.

El día 16 de junio de 1823, los miembros de la Junta de la Diputación Provincial de Guadalajara declararon la creación del “Estado Libre de Xalisco”, convirtiéndose en el primer estado de la República. Jalisco experimentó cambios políticos y sociales que siguen siendo de suma relevancia hasta el día de hoy.  Durante el siglo XIX, se promulgaron las primeras leyes para la abolición de la esclavitud y la reforma agraria, lo que llevó a la redistribución de las tierras comunales de los pueblos indígenas.

Hoy en día, Jalisco es uno de los estados más prósperos de México. Cuenta con una economía diversificada, que incluye sectores como la agricultura, la industria manufacturera, la tecnología y el turismo. Además, Jalisco ha sido un gran proveedor de tradiciones y cultura para los mexicanos, mismos que le han dado relevancia mundial al país, tal es el caso de: el tequila, el mariachi, la gastronomía, áreas naturales, arquitectura y riqueza histórica.

La historia de Jalisco abarca desde las antiguas culturas prehispánicas hasta la actualidad, pasando por la conquista española, es un estado con una rica herencia cultural y un importante motor económico en México.

Biografías C News GR

27 de mayo de 1989. Se realiza la primera aparicion pública de la banda mexicana de rock alternativo Café Tacvba Oficial en el bar «El Hijo del Cuervo» en Coyoacán, Ciudad de México, México. En su primera presentación ya cómo Café Tacvba asistieron aproximadamente sesenta personas. En adelante iniciaron una serie de presentaciones en diversos bares de la ciudad como El Nueve de la Zona Rosa.

La banda que en sus inicios se hacía llamar «Alicia Ya No Vive Aquí» (en tributo al director Martin Scorsese y su película del mismo nombre). Posteriormente, tomaron su nombre de un conocido café del Centro Histórico de la Ciudad de México. llamado así por su ubicación en la calle del mismo nombre. Previendo disputas legales con el restaurante, el grupo eligió reemplazar la u por la v.

En 1992 firmaron un contrato con Warner Music y lanzaron su primer álbum homónimo, vendiendo más de 43 mil copias en tan solo dos semanas. El éxito de este primer disco les significó un doble disco de oro en México y la invitación a presentarse en festivales musicales del mundo entero.

Café Tacvba es reconocido por su proyecto cultural vanguardista el cual mezcla el rock y sus temas habituales con letras, historias y sonidos extraídos de la cultura popular mexicana. Café Tacvba recibió el premio Leyenda MTV por su trayectoria, a manos de Morrissey, quien aseguró que eran músicos extraordinarios. Convirtiéndose en una de las bandas más representativas e influyentes de la escena musical en México.

 

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Desde James Dean y Led Zeppelin hasta Ramones y Kurt Cobain: el blue jean es una parte integral de la cultura rock a través de sus años y transformaciones
Si hay un imaginario alrededor del rock es su actitud de impacto y rebeldía. Este mito disruptivo en la existencia de las juventudes que vivieron el apogeo de este movimiento en los años sesenta y setenta, no solo se cimentó estrictamente en la música.

Cuesta encontrar otras tendencias artísticas que se hayan nutrido de tantas diversas disciplinas como el rock. La fusión de símbolos caló hondo en el inconsciente de los jóvenes que cada vez abrevaban más en la excentricidad de los cantantes o guitarristas como modelos de vida. La propuesta de una existencia absoluta y heroica -a veces misteriosa, otras más públicas- que los rockeros encarnaban, se convirtió en una tentadora seducción para miles de fanáticos que querían tocar la guitarra, ser venerados por millones alrededor del mundo y vestirse como una estrella de rock

Hasta los años sesenta, los músicos no le prestaban demasiada atención a la imagen. La década del cincuenta fue el tiempo del jazz y el blues, y sus hacedores se limitaban a perfeccionarse en el dominio del instrumento. Las puestas en escena de Chet Baker, Miles Davis, B.B. King o Bill Evans fueron más sencillas que las producciones que vendrían después con el rock. Entonces, los hombres de jazz salían a tocar con ropa común, de gente que iba a una oficina o a hacer un trámite: sacos, camisas y pantalones de vestir respondían a la moda estándar que la gente de a pie usaba para dar un recital en un recinto pequeño de luces bajas.
Por lo tanto, no existía la posibilidad de crear demasiados mitos: la música era un oficio y solo eso, y las personas que la realizaban eran personas “comunes” como todos, no seres mitológicos y enigmáticos como más tarde se volverían John Lennon, David Bowie, Jim Morrison, Robert Plant, Syd Barret o Janis Joplin. Sobre este punto, Fabián Casas en su libro La supremacía Tolstoi y otros ensayos al tuntún recuerda: “Crecí escuchando su voz y admirando su cara, tan increíblemente parecida su música. […] Spinetta era el hombre más hermoso del mundo. Una belleza nada convencional”.

Ante este contexto, para ser rockero había que ser alguien con cualidades exóticas y así despertar la movilización de las masas. El rock empezaba a definirse como un constructo ideológico y sus artistas no salían solamente en las revistas de música, sino también en los medios del espectáculo, en las revistas de moda y en los diarios de noticias, por lo que más que un género musical comenzaba a mitificarse como un sensacionalismo de la cultura, que suscitaba excitaciones como pocos productos en la historia humana.

 

En este contexto, a finales de los años sesenta la industria del rock comienza a profesionalizarse. El 15 de agosto de 1965, The Beatles dio el primer concierto de la historia del rock en un estadio al aire libre en el hogar de los Mets, el Shea Stadium de Nueva York. Ante la euforia de 56 mil personas que esperaban la beatlemanía, el conjunto de Liverpool llegaba al estadio en un camión blindado: el mito del rockstar había nacido. La banda luego de esa experiencia de éxtasis, cambió sus trajes de oficinistas por ropa más excéntrica: prendas de colores plenos, con flores, predominancia del amarillo, el celeste y el rojo. La moda textil comenzaba a ser tan o más importante que el audio y las luces en el escenario. El mensaje se completaba con la imagen.

Hubo una serie de prendas textiles características de algunos músicos: los sombreros de Bob Dylan, las chaquetas de cuero de Black Sabbath, las camisas psicodélicas de Syd Barret, los sobretodos negros de Robert Smith, las calzas coloridas de Axl Rose, pero ninguno se extendió tanto en la popularidad como el jean, también conocido como vaquero.

En los años setentas, los jeans de la marca inglesa Oxford comenzaban a ser una sensación gracias a Robert Plant, el icónico cantante de Led Zeppelin, quien inmortalizó la característica botamanga ancha en el histórico concierto de 1973 en el Madison Square Garden de Nueva York, mientras su compañero Jimmy Pageprefería sus pantalones brillosos con motivos esotéricos. Así también se lo vio George Harrison posando junto a sus amigos de Liverpool, y a algún hippie en Woodstock, pero lo cierto es que el primer grupo que hizo de la pieza vaquera un culto fue Ramones, cuyos integrantes usaban un corte ajustado y elastizado, de marca Levi’s, lo cual hacía que las largas piernas de Joey Ramone fueran aún más acentuadas. La delgadez y el estilismo de su imagen comenzó a ser una marca que muchos chicos punks intentaban imitar
El textil también conocido como blue jean irrumpió por primera vez en la sociedad cuando James Dean lo popularizó en la película Rebelde sin causa (1955), logrando que la prenda sea prohibida en escuelas y restaurantes por ser considerado un símbolo de insurrección. Sin embargo, no fue hasta la aparición del punk rock que la prenda cobró masificación en la moda general de la década del setenta. La gran paradoja es que un movimiento asociado con la estética del descuido como lo es punk fue el primero en adoptar un estilo definido y estable. Así demostraban una autoconsciencia de su imagen global con la inclusión de los pantalones y las camperas de jeans, lo cual funcionaba de marco perfecto para la música “pendenciera” de tres acordes, con guitarras “sucias” y distorsionadas.

En la actualidad el jean es una prenda de gran ubicuidad, usándose en contexto informal, elegante sport e incluso formal, que alcanzó distintas esferas, volviéndose intemporal y eterna. Pero hasta antes de que el cine de vaqueros y Ramones la popularicen, la pieza estaba reservada a un insumo de trabajo para mineros dada su alta resistencia.

En 1851, un joven alemán Levi Strauss emigró a Estados Unidos para trabajar junto a sus hermanos en una pequeña industria. Hacia 1873, el diseñador alemán se asocia al sastre Jacob Davis en San Francisco para realizar prendas con remaches de cobre, lo que se completaría con la tela vaquera para dar a luz a la ropa más popular del mundo en la actualidad. Finalmente, Levi Strauss & Co. patentan su creación el 20 de mayo de 1873. Tal fue la constitución férrea del textil, que algunas prendas confeccionadas en 1800 por los diseñadores originales fueron encontradas en una excavación de Nevada en 2016.

En 1965, Limbo, una boutique en el New York East Village, fue «la primera minorista que lavó un par de pantalones vaqueros nuevos para conseguir el efecto desgastado, y la idea pasó a ser en un éxito”, escribe Michael Belluomo en 1987, editor de la International Sports Magazine. Estos pantalones desgastados de tiro medio y corte recto fueron la marca estilística del grunge de los años noventa que, herederos de la aspereza musical del punk rock, también revalorizaron el jean, pero esta vez aplicándole los distintivos cortes que deshilachaban la zona de las rodillas, tal como usaba Kurt Cobain, quien quería acentuar su aspecto de desfachatez. Junto a su voz casqueada, su guitarra distorsionada y sus camisas abiertas, el jean completaba una estética de gran coherencia, cuya ponderación de la prenda rebelde cortarrajeada era la base de todo chico que quería ser grunge.

Hoy, a 150 años de la creación del símbolo más visible del punk rock, la prenda es celebrada en cualquier placard urbano.

 

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Tiene su origen en Nimes, Francia, es una de las prendas que llegaron al norte de la América precolonial con el nombre de “denim”, fueron utilizados por grupos minoritarios de hombres de raza blanca en el oeste de Norteamérica.

Sin embargo, su patente y producción en gran volumen, tiene otro origen; Löb Strauß o en español Loeb Strauss conocido como “Levi” nacido en Baviera, Alemania el 26 de febrero de 1829 en el seno de una familia judía.

Löb Strauß (Levi Strauss) decide emigrar a “América” en 1847, dos años después de fallecer su padre e ir en busca del “sueño americano”.

Llega al puerto de Nueva York y se instala con sus hermanos mayores quienes tenían instalada la tienda de productos textiles “J. Strauss Brother & Co”, pronto aprendería del negocio familiar.

En 1853 “Levi” consigue la ciudadanía norteamericana y se separa de sus hermanos para dirigirse a San Francisco, aprovechando “la fiebre del oro” y vender sus textiles, ya que muchos habitantes del país e inmigrantes se dirigían hacia Coloma, Sacramento, San Francisco y Monterey, con la intención de hacer fortuna encontrando oro.

En 1863 el negocio cambia de nombre a “Levi Strauss & Co. y comienza a importar telas, ropa interior, paraguas y pañuelos para abastecer a los pequeños negocios que surgían.

En ese mismo año identificó una necesidad de los mineros, quienes requerían una prenda resistente al trabajo.

Dando origen a los primeros overolls (overoles) elaborados en “denim” color marrón, un tejido de algodón muy fuerte, pero a la vez confortable y funcional.

Tras agotar las existencias de esta tela, decidió reemplazarla por un “denim” teñido de azul.

Uno de sus clientes, un sastre que le compraba rollos de tela llamado Jacob Davis, cansado de comprar tela para remendar los pantalones rotos, pensó en reforzarlos con remaches de cobre en algunos puntos de especial tensión, tales como los extremos de los bolsillos o la base de la bragueta.

Como Jacob Davis no tenía dinero para patentar la idea, le propuso a Levi hacer negocios juntos.

Levi aceptó y el 20 de mayo de 1873 recibieron la patente #139,121 de la Oficina de patentes y marcas estadounidense y nació el vaquero tal y como lo conocemos.

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Blur, Oasis, Suede y Elastica son algunas de las bandas que aparecerán en este recorrido histórico.

Mientras en Estados Unidos el grunge avanzaba a pasos agigantados, en Gran Bretaña el britpop se abría paso como otro de los movimientos más importantes de la década de los 90. Ahora, 30 años después de su génesis, el britpop tendrá una nueva serie documental de cuatro capítulos llamada Britpop: The Music That Changed Britain.

Esta nueva producción, cuyo estreno será este 12 de marzo a través de Channel 5 en el Reino Unido, documentará la historia del género de principio a fin. Según adelantaron sus creadores, habrá entrevistas exclusivas con los principales protagonistas, quienes contarán «fascinantes historias entre bastidores». También contará con un archivo inédito de fotografías y videos de todas las grandes bandas de la época.

Oasis
Oasis.

El primer episodio de Britpop: The Music That Changed Britain se centrará en el auge del género, su impacto en el negocio de la música y las diferentes rivalidades entre BlurOasisSuede Elastica. Entre los artistas más destacados figuran Alex James Dave Rowntree de Blur, que hablarán de su «desastrosa» gira inicial y de la creación de su clásico álbum Parklife.

Además, y como no podía ser de otra manera, aparecerán los hermanos Liam y Noel Gallagher en algunas entrevistas inéditas que datan de la primera época de Oasis. Este material servirá como contexto para dar inicio al segundo capítulo de la serie, el cual seguirá de cerca la enemistad entre las dos bandas y la lucha de «Roll With It» y «Country House» por el primer puesto en los charts.

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En noticias relacionadas, Noel Gallagher viene de declarar que «nunca diría nunca» a una reunión de Oasis. El grupo oriundo de Manchester permanece separado desde el año 2009. Por su parte, Noel se prepara para publicar su nuevo álbum de estudio llamado Council Skies junto a su banda los High Flying Birds el próximo 2 de junio.

Además, Blur anunció su regreso después de ocho años de inactividad y encarará una gira que comenzará con dos noches en el estadio de Wembley. La banda liderada por Damon Albarn también se presentará en el Festival de Verano de Lucca, Øyafestivalen, el Festival Beauregard y en el Primavera Sound de España.

 

 

 

Grita Sports

 

En 1950 surgió la carrera panamericana. Una de las carreras de resistencia más exigentes de la historia que probó los mejores coches y los conductores más experimentados y atrevidos de la época.

Umberto Maglioli en su Ferrari 375 Plus estaba a la cabeza en la cuarta y última etapa de la carrera. Poco antes de terminar la cuarta etapa, su coche comenzó a fallar. Su Ferrari 375 Plus tenía una fuga de aceite a través de un agujero en el «carter».

En medio de la nada y sin una pieza de repuesto para esta parte vital del coche, las esperanzas de terminar la carrera eran prácticamente nulas.

En la quinta etapa de la carrera y cuando el coche estaba prácticamente a punto de dejar de trabajar, Umberto Maglioli hizo una parada en medio de la carretera cuando vio un pequeño taller llamado “El Milagro”.

Maglioli fue recibido por Renato Martínez quien fue el dueño y único mecánico del taller en medio de la nada. Renato Martínez le confirmó a Maglioli que en efecto se trataba de una fuga de aceite en el cárter y que tenía una solución «creativa» para repararlo en momentos. Al menos para poder terminar su viaje.

Renato Martínez cogió un cubo y una gran barra de jabón. También tomó tres pequeñas botellas de Coca-Cola y se las dio a Maglioli diciendo: «Mientras bebes estas Coca-Colas yo repararé tu coche».

Un Incrédulo Maglioli solo podía sentarse, beber las cocas y esperar un milagro. Mientras tanto, Renato Martínez desmontó el Ferrari y usando la barra de jabón comenzó a frotar gradualmente el carter con él. Por fricción el jabón se derritió y creó una pasta que selló el agujero de fuga. El jabón «corta» el aceite y se adhiere al metal del cárter y cuando se solidifica se volvió duro como una roca.

Asombrado, Maglioli agradeció a Renato y sacó del Ferrari una pequeña cámara Roliflex que usó para tomar una foto de ese milagroso momento. Taller “El Milagro” y Renato junto al Ferrari 375 Plus en reparación quedaron inmortalizados.

Umberto Maglioli en su Ferrari 375 Plus, terminó la quinta etapa de la carrera en primer lugar y cambió la historia de Ferrari para siempre.

Aunque Ferrari era un coche conocido en Europa, no estaba en América y la marca estaba lejos de ser un negocio económicamente viable. Ferrari necesitaba desesperadamente demostrarle a Estados Unidos que sus coches eran superiores, rápidos y confiables. Ganar la carrera les traería reconocimiento y con sus ventas en los Estados Unidos, lo que les ayudaría a salvar la marca de la bancarrota.
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Algún tiempo después, Renato Martínez recibió por correo postal la fotografía impresa que Maglioli había tomado de ese momento. La fotografía estaba firmada: «A mi amigo Renato M. Desde Umberto Maglioli. »
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La fotografía vino junto con una carta que agradecía a Renato y decía: «Renato, El Milagro Mexicano que ayudó a Ferrari».
Esa carta fue firmada por un hombre llamado Enzo Ferrari.