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The Winery Dogs es un supergrupo formado en 2012 por el guitarrista y vocal Richie Kotzen (ex Poison y Mr. Big), Billy Sheehan en el bajo (Mr. Big) y Mike Portnoy en la batería (ex Dream Theater, Flying Colors, Sons Of Apollo, Twisted Sister, etc) quienes lanzaron su álbum debut en 2013 y posteriormente su segundo álbum (Hot Streak) en 2015, cuya carrera también les incluye un álbum en vivo (Dogs Years Live In Santiago de 2017).

Tuvieron que pasar 8 años para tener nueva música de los Winery Dogs, esto debido a problemas personales que atravesó Kotzen y además el proyecto Kotzen/Smith que armó con Adrian Smith de Iron Maiden, sumado a la pandemia por Covid 19. A finales de 2022 se anunció en sus redes sociales que su nuevo y tercer álbum de estudio ya estaba terminado.

Así fue como el 3 de febrero de este 2023, The Winery Dogs publicó su tercer álbum de estudio, llamado simplemente III. Abriendo con Xanadu que fue el primer sencillo que se liberó acompañado de un videoclip, muestra un sonido firme y sobre la misma línea que sus trabajos anteriores, al igual que el segundo tema Mad World.

A lo largo de los 10 cortes que III ofrece, los perros de la bodega demuestran que su fórmula sigue funcionando a la perfección, con sus toques progresivos y rockeros que siguen evocando las gloriosas composiciones de Mr. Big, de ahí nos damos cuenta que Billy Sheehan es sin dudarlo, una cabeza importante dentro de las composiciones de Mr. Big.

La voz fresca de Kotzen impecable como hasta ahora lo ha demostrado en cada uno de los trabajos en los que ha participado, y Mike Portnoy demostrando la bestia que es detrás de la batería y que sin ningún problema puede tocar cualquier género o subgénero que le pongan en frente. Si tuviera que elegir uno o dos temas que me parecen los mejores del álbum, sin duda alguna elegiría Pharaoh y Gaslight, esta última con un doble bombo brutal y galopeo del bajo y la guitarra brutales. Un excelente álbum para disfrutar de una buena dosis de hard rock progresivo.

The Winery Dogs – III 

1.- Xanadu

2.- Mad World

3.- Breakthrough

4.- Rise

5.- Stars

6.- The Vengeance

7.- Pharaoh

8.- Gaslight

9.- Lorelei

10.- The Red Wine

News GR Opiniones Reseñas Un día como hoy

Un 2 de febrero de 1981 Iron Maiden lanzaba su segundo álbum de estudio, llamado Killers, donde el primer tema a destacar es la portada, brutal con un Eddie agresivo y mejor trabajado, portando un hacha en la mano y con una sonrisa completamente diabólica, a mi punto de vista, una de las mejores portadas de Iron Maiden y de la historia del metal.

Después de haberle dado las gracias a Dennis Straton con la excusa de que no encajaba bien con el estilo de la banda, Dave Murray recomendó a uno de sus amigos de la adolescencia, un joven de nombre Adrian Smith. Así que con esta alineación, Iron Maiden grabaría el que sería el último álbum con Paul Di’Anno en la voz.

En Killers podemos escuchar una mejora en la producción a diferencia de su álbum debut, esto gracias al productor Martin Birch, quien ya había trabajado con Black Sabbath, Deep Purple, Rainbow, Whitesnake, etc.

Abriendo con una pieza instrumental que impone de manera magistral, The Ides Of March da paso a Wratchild, un tema sencillo, compacto y que su sonido trata de dar un aire rockero fresco.

El tercer tema, Murders On The Rue Morgue trataba de subir el tono y la velocidad al álbum, con unas melodías iniciales que sonaban como si fueran parte de una película de terror, Murders On The Rue Morgue está basada en el cuento Los Crímenes de la Calle Morgue de Edgar Allan Poe.

Another Life trataba de mostrar un lado más punk, dando una comodidad impecable a la voz de Paul Di’Anno, que como sabemos, una de sus principales influencias fue el punk de mediados de los 70’s. Para este punto todo parecía sonar en orden, si bien la voz de Di’Anno no era la más prodigiosa, el feeling que le ponía era innegable.

Genghis Khan, el segundo tema instrumental del álbum, a mi parecer parece querer seguir con esa línea marcada por Murders On The Rue Morgue, con un aire de suspenso, un tema disfrutable que no te dice para nada como es que va a terminar. Innocent Exile mostraba las influencias progresivas de Steve Harris en aquellos puentes y estribillos, una cosa magnífica si se puede llamar así. Killers el tema que da nombre al álbum retoma esa velocidad de Murders On The Rue Morgue y Another Life, pero con la intención de sonar mucho más pesado.

La única balada (si así se le podría llamar) corre a cargo de Prodigal Son, un tema enigmático y hasta melancólico que hace notar de  una manera muy agradable los tonos bajos de la voz de Paul Di’Anno, para subir la velocidad de manera abismal con Purgatory con un riff que ya comenzaba a tomar forma como el clásico sonido de Iron Maiden, creo que Purgatory podía ser el tema más pesado y metalero del álbum.

Para cerrar con Drifter, un tema que vuelve a mostrar las influencias progresivas de Steve Harris, pero que a mi punto de vista, pasa sin pena ni gloria en el álbum. Para la edición norteamericana se incluyó el tema Twilight Zone que goza de ese mismo aire progresivo mencionado anteriormente.

Un buen álbum con el que Paul Di’Anno se despediría de Iron Maiden debido a que según Steve Harris, las adicciones de Paul no lo estaban llevando por buen camino y sentían que de seguir con ellos, la banda se estancaría musicalmente. Menor en comparación con la brutalidad que presentaron con su álbum debut, pero a pesar de esa opinión, Killers ha sabido envejecer bien para sus 42 años y sonando igual de fresco que en aquellos años.

Conciertos News GR Opiniones Reseñas

El festival de Rock In Rio tuvo su debut en enero de 1985, en donde se reunieron las mejores y más importantes bandas de la década de los 80’s, y con el paso del tiempo se convirtió en uno de los festivales más importantes de música no solo del continente americano sino de todo el mundo.

Organizado por el empresario brasileño Roberto Medina, surgió con la idea de convertirse en el Festival Más Grande del Mundo, cuya sede se ubica en la ciudad de Rio de Janeiro, en Brasil. El recinto conocido como Ciudad del Rock situado en Jacarepaguá al oeste de Rio de Janerio albergó (se asegura actualmente) a 1.4 millones de espectadores, tan solo dentro del festival, cuyo terreno contaba con 250.000 metros cuadrados y un equipo de luz y sonido sumamente moderno para la época.

Esta primera edición se realizó del viernes 11 al domingo 20 de enero de 1985, convirtiéndose en el primer festival de música más largo jamás realizado. El cartel de la primera edición mostraba a bandas y cantantes de la talla de Queen (quien actúo los días viernes 11 y viernes 18 cerrando ambos días el festival), Iron Maiden, AC/DC, Scorpions, Rod Stewart, Ozzy Osbourne, Whitesnake, Yes, entre otros; quienes cerraron el festival en dos ocasiones, a excepción de Iron Maiden, Rod Stewart y Whitesnake.

El primer día de Rock In Rio tuvo un cartel soñado para los fans del rock y el metal, donde se pudieron apreciar los actos de Whitesnake, seguido de Iron Maiden y para cerrar con broche de oro, Queen. Cabe mencionar que durante el show de Iron Maiden, Bruce Dickinson tuvo un accidente al estrellarse contra el micrófono rompiendo su nariz durante el tema Revelations, por lo que la mitad de la canción la cantó con la cara llena de sangre.

Según Steve Harris, estaban nerviosos por aquel show ya que el calentar los motores de la gente para que Queen saliera a hacer lo suyo no era tarea fácil, sin embargo al terminar su presentación, Brian May se acercó a Harris elogiando su presentación y comentando que habían dado un excelente show. Cosa que ocurrió después del concierto de Queen, en donde Steve Harris se quedó en backstage disfrutando de la presentación, para después llenar de elogios a Freddie Mercury y compañía.

Esta fue la primera de 8 ediciones (contando la que se llevará a cabo en este 2023) tan solo en Brasil, ya que el festival ha tenido tan éxito que lo han llevado a países de Europa como España, Portugal, y una edición en Estados Unidos.

 

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Seventh Star surgió como un álbum solista de Tony Iommi, de hecho para la mayoría de los fans más conocedores de Black Sabbath, éste fue el primer álbum solista de Tony Iommi.

Después del fracaso comercial que significó para Sabbath, el álbum de Born Again, Tony Iommi decidió tomar un receso ya que incluso Geezer Butler decidió abandonar también la banda, Tony se metió al estudio a mediados de 1985 para dar forma a su primer álbum como solista y despejar su mente un rato de aquel problema que se había convertido el mantener una alineación estable de Black Sabbath.

Las composiciones de Seventh Star distan mucho del sonido característico de Black Sabbath (es por eso que como leí por algún sitio; Seventh Star no es apto para Ozzy Boys), pero sigue manteniendo su línea pesada y oscura que siempre ha caracterizado a Iommi, acompañado claro de esos riffs extraordinarios que sin ngún problema nacen de la mano de Tony Iommi. Para este trabajo reclutó a Dave Spitz para el bajo, a Eric Singer en la batería gracias a recomendación de Lita Ford, y a Glenn Hughes para las voces.

A lo largo de sus 9 cortes, Seventh Star muestra la genialidad de Iommi para la composición de temas oscuros y profundos, no solo musicalmente sino también líricamente hablando, In For The Kill abre de manera brutal el álbum con un Glenn Hughes lleno de poder (a pesar de que estaba por tocar fondo con sus adicciones) y ni hablemos del riff… Una pieza excelente. Bajando el ritmo para la segunda pista, una canción de desamor llamada No Stranger For Love (de la cual se grabó un videoclip para promocionarlo) con un aire doom y oscuro gracias también a esas melodías del grandioso Geoff Nichols y un intro que hace recordar a Die Young.

Turn To Stone abre con un doble bombo brutal de parte de Eric Singer, un tema lleno de furia que recuerda las gloriosas composiciones de aquellos Heaven and Hell y Mob Rules. Sphinix la primera pieza instrumental hecha únicamente por los sintetizadores de Geoff Nichols que parece ser sacada de una película de Stanley Kubrick para dar paso a una épica Seventh Star, tema que da nombre al álbum.

El tiempo marcado de Seventh Star, lento pero pesado y con ciertos aires macabros da un toque especial al tema homónimo. Danger Zone toma como referencia aquel rock ochentero (o más bien el AOR) que por aquellos años ya habían popularizado bandas como Foreigner y Journey. Heart Like A Wheel retoma las influencias bluseras de Iommi dando un exquisito hard blues, que se acopla perfectamente a la voz de Hughes con esas potentes notas altas, un tema que casi sensual que haría derretir a cualquier fan del blues. Angry Heart retoma ese perfil del rock ochentero para finalizar con una melancólica In Memory acompañada de grandes arpegios acústicos.

Desgraciadamente después de 4 conciertos Glenn Hughes abandonaría la banda debido a sus problemas con el alcohol y las drogas, entrando a sustituirlo el extraordinario Tony Martin. A partir de aquí tomaría forma el sonido que Sabbath llevaría a partir del ingreso de Tony Martin, y a pesar de que Seventh Star si es un álbum solista de Tony Iommi, se editó con el nombre de Black Sabbath ya que según la compañía discográfica y el mánager de Tony, así tendría mayor impacto el álbum.

Un trabajo notable y muy interesante no apto para fans tradicionales de Black Sabbath.

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Corrían principios de 1988 cuando se publicó el tercer álbum de Megadeth el cual llevó por nombre So Far, So Good… So What!  que mostraba a Vic Rattlehead en pie de guerra en la portada.

Para la grabación del mismo se contó con la colaboración de Jeff Young en la guitarra quien sustituyó a Chris Poland y a Chuck Behler en la batería, siendo este el único álbum que contaría con estos dos músicos.

A diferencia de Peace Sells… But Who’s Buying? el nuevo trabajo de Mustaine y compañía hacía referencia a temas más existenciales, e incluso de desamor (cosa que podemos escuchar en In My Darkest Hour). Abriendo con la instrumental y poderosísima Into The Lungs Of Hell para seguir con una destructiva Set The Wolrd Afire que abarca temas de catástrofe nuclear. Aquí Dave Mustaine demuestra su gusto por el punk al incluir un cover de Anarchy In The U.K. en donde participó el mismísimo Steve Jones tocando la guitarra.

Mary Jane parecería retomar las líricas de su álbum anterior ya que la letra está basada en una mujer de nombre Mary Jane Twilliger que en 1881 fue acusada de brujería y que fue asesinada con tal 18 años de edad. So Far, So Good… So What! seguiría trabajando ese ritmo veloz y pesado que Mustaine había estado componiendo con la idea de formar una banda más grande que Metallica, y este álbum le sirvió ya que es una total joya del thrash ochentero y también una gran influencia para el desarrollo del metal extremo gracias a la velocidad de temas como 502, y Hook In Mouth un tema que retrata la problemática de la censura.

 

Y desde luego no podemos terminar sin mencionar la clásica In My Darkest Hour que más de uno la ha cantado a todo pulmón, y se sigue entonando aún después de 30 años.

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En 1981 vio la luz el noveno álbum de Kiss llamado Music From The Elder, trabajo que nada tiene que ver con el sonido al que nos tiene acostumbrados la banda de Gene Simmons y Paul Stanley ya que The Elder es un trabajo más orientado al rock progresivo y la ópera rock.

A pesar de su mala recepción y crítica al momento de su lanzamiento, hoy en día es considerado un álbum de culto y muchos fans de Kiss y del rock y metal en general han llegado a considerarlo una obra maestra. Pero, ¿sabías que este disco se había lanzado para ser el soundtrack de una película?

Así es, se planeaba rodar una película de nombre The Elder que sería una especie de historia épica, de la cual el disco antes mencionado sería el soundtrack.

El guion había sido escrito por el propio Gene Simmons que contaba la historia de un joven héroe que era entrenado por un grupo de sabios ancianos que formaba parte de una sociedad secreta llamada la Orden de la Rosa quienes se preparaban para combatir un mal creciente. Este joven héroe se embarcaba en una odisea luchando contra diversos enemigos y propias dudas existenciales con ayuda de un guía de nombre Morpheus hasta llegar con el gran villano de nombre Mr. Blackwell y enfrentar una lucha a muerte.

Se sabe que incluso ya se había pensado en un director y grupo de actores para llevar a cabo el film, sin embargo debido a la mala recepción del disco ese proyecto fue cancelado y se almacenó en lo más profundo de la Kisstory, de haberse llevado a cabo ¿crees que hubiera sido un excelente trabajo?

 

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El tan esperado álbum número 11 de los estadounidenses Obituary vio la luz el pasado 13 de enero de este 2023.

Pareciera que para una banda de death metal es difícil impresionar al mundo con algún nuevo trabajo que no suene al anterior y al anterior y al anterior, pero este no es el caso de Obituary, ya que a pesar de que pasaron 6 años para que llegara el sucesor de su álbum homónimo, el tiempo que tardaron en componer y grabar Dying Of Everithing les sirvió demasiado para bien.

Abriendo con Barely Alive y los guturales incomparables de John Tardy y unos solos de guitarra tan demoledores como el riff inicial, nos vamos dando cuenta de lo que nos espera con este nuevo trabajo, continuando con The Wrong Time que sigue la misma línea pero que en este tema sobresalen los tamborazos casi perfectos de Donald Tardy, que combina el thrash y el death metal con un resultado más que exquisito para los oídos de los amantes del metal extremo.

Encontramos un cambio en el sonido al llegar al cuarto tema, War, donde nos ofrecen una cátedra de groove metal y Obituary demuestra que sin ningún problema puede combinar y hacer cambios de subgéneros en un mismo álbum sin caer en lo aburrido y sorprendiendo para bien, con el tema que da nombre al disco, Dying Of Everything; podemos caer en la influencia que las bandas del thrash metal ochentero tuvieron en los liderados por John Tardy.

Incluso hasta podríamos mencionar que en su penúltimo tema, Torn Apart dan muestra de como puede sonar un tema heavy en pleno 2023. Un álbum que como has leído combina más de un subgénero del metal en un trabajo que suena perfecto y exquisito de principio a fin y te hará fracturarte el cuello.

ObituaryDying Of Evrything:

1.- Barely Alive

2.- The Wrong Time

3.- Without a Conscience

4.- War

5.- Dying Of Everything

6.- My Will To Live

7.- By The Dawn

8.- Weaponize The Hate

9.- Torn Apart

10.- Be Warned

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A continuación te presentamos la segunda parte de los álbumes de metal que cumplen 40 años este 2023

5.- Mötley Crüe – Shout At The Devil

El segundo álbum de la banda más representativa del glam metal llegó a las tiendas de discos en septiembre de 1983, y desde la portada (que mostraba un pentagrama invertido con un fondo en color negro) escandalizó a más de un padre de familia y fanático religioso al igual que el nombre del álbum, motivo por el cuál la banda fue acusada de ser adoradores del diablo. Un trabajo poderoso, conciso y con más toques heavy que glam. Lo mejor de este álbum es que en la contraportada podías encontrar la leyenda «Precaución, este disco puede contener mensajes ocultos».

 

4.- Quiet Riot – Metal Healt

Quiet Riot ya entraba de lleno en el mundo del heavy metal con su tercer álbum de estudio, mismo que sirvió de homenaje y fue dedicado a la memoria del fallecido Randy Rhoads quien fuese su primer guitarrista antes de unirse a la banda de Ozzy Osbourne. Lo que más destacó de este trabajo fue el cover de Cum On Feel The Noize (original del grupo Slade), tema que en un principio los miembros de la banda odiaron pero que fue el que los catapultó a la fama mundial, sin embargo también puedes encontrar temas extraordinarios como Metal Health, Don’t Wanna Let You Go y Love’s a Bitch.

3.- Slayer – Show No Mercy

El primer álbum de estudio de Slayer llegaría en diciembre de 1983 y ayudaría junto con el debut de Metallica a terminar de pulir el thrash metal, grabado durante la noche y la madrugada, Show No Mercy contiene un aire oscuro que acompaña a sus letras que se basan en temas ocultistas y de magia negra.

2.- Black Sabbath – Born Again

El undécimo álbum de Black Sabbath publicado en el verano de 1983 es al que quizá le ha sentado mejor los 40 años, ya que actualmente se ha convertido en un álbum de culto y al que muchos fans le guardan respeto y cariño a pesar de sus malas reseñas y comentarios al momento de su lanzamiento. El primer y único álbum que Ian Gillan grabaría con Sabbath mostraba una portada tan perturbadora que hasta al propio Gillan le pareció de mal gusto, llegando a odiar ese disco en su momento,  la mala producción le da un aire macabro y espeluznante que se acompaña con la demoniaca voz de Gillan que nunca más se había escuchado y jamás se volvió a escuchar en un disco.

1.- Ozzy Osbourne – Bark At The Moon

Después de la trágica muerte de Randy Rhoads, El Príncipe de las Tinieblas se embarcó en su tercer trabajo solista, reclutando esta vez al guitarrista Jake E. Lee, y entregando un trabajo lleno de poderosos riffs, un aire de nueva vida por parte de Ozzy y encontrando un uso excelente para los sintetizadores dentro del heavy metal. El vídeo del tema homónimo es una excelente representación de Ozzy como un hombre lobo.

 

No te pierdas la tercera parte…

Curiosidades News GR Opiniones Reseñas

Made In Japan de Deep Purple es considerado uno de los mejores álbumes en vivo en la historia del rock, la esencia que se capturó de la banda durante aquella gira promocional del álbum Machine Head y que los llevó a grabar un par de conciertos en Osaka quedó para la posteridad no solo por lo antes mencionado sino por una leyenda urbana que comenzó a girar por los oídos de los fans desde el lanzamiento del álbum.

La leyenda cuenta que durante el tema de Child In Time, un sujeto entre la audiencia llevado completamente por el éxtasis de ver a su banda favorita en vivo y escuchar uno de sus temas favoritos en vivo, creía que ya no tenía una razón más por que vivir por lo que sacó un arma que llevaba guardada consigo y se disparó en la cabeza, terminando así con su vida durante el concierto de Deep Purple y hecho que quedaría grabado en el álbum.

Desde luego que esto solo ha sido una leyenda urbana que tal vez fue creada por el equipo de publicidad de la disquera para darle más difusión al álbum, ya que Jon Lord comentó en algún momento que ese estruendo que se alcanza a escuchar fue producido por su teclado al realizar un cambio de nota, mientras que otra versión un poco olvidada indica que el estruendo se debió a que uno de los amplificadores de la banda se sobrecalentó y explotó.

¿Tú que opinas?

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A lo largo de la historia se han contado un sin fin de historias que hablan acerca de la canción que abrió camino al Heavy Metal, o que revolucionó al rock pesado. Muchas bandas se han adjudicado dicho reconocimiento, y muchos otros fans y críticos han externado sus opiniones acerca de este hecho.

Pero la realidad es que el tema que abrió paso al Heavy Metal o dio el impulso a esas bandas que serían consideradas creadoras del género proviene del Reino Unido, y nos referimos a la banda The Kinks y su éxito You Really Got Me.

Antes de You Really Got Me todo el rock and roll hablaba de amor, paz, de llevar a una chica a una cita romántica y ser felices para siempre, sin embargo con You Really Got Me esto cambió desde el riff con el que inicia la canción, un riff sucio, distorsionado, y sobre todo pesado, un sonido que escandalizaría a los padres de familia de aquel 1964, año de su lanzamiento.

Sumado a la voz de Ray Davies, You Really Got Me sigue haciendo mover los pies y la cabeza a quien escucha por vez primera este extraordinario tema que sin duda alguna cambió para siempre la historia del rock, donde estrellas del heavy metal como Tony Iommi, Bruce Dickinson, K.K. Downing, o Lemmy Kilmister han citado como una fuerte influencia.