Lanzar un álbum debut monumental puede ser una bendición y una maldición.
Muchos artistas se esfuerzan en la oscuridad durante años antes de tener la oportunidad de alcanzar el éxito. Han tenido el lujo de perfeccionar su arte en privado, pulir los detalles de su sonido y presentación en conciertos con poca asistencia antes de presentar su material a nivel mundial. El resultado puede ser un álbum debut completo que establece la ética del artista y sirve como trampolín para su carrera: el punto de partida definitivo para cualquier oyente ocasional que busque sumergirse en la discografía de un artista por primera vez. A veces, esta visión completamente articulada resulta en un éxito comercial astronómico, como Appetite for Destruction de Guns N’ Roses, el debut más vendido de la historia, o los álbumes homónimos de Boston o Van Halen, que alcanzaron ventas de diamantes. En otras ocasiones, estos álbumes debut no se venden bien, pero son elogiados por la crítica y se convierten en piezas clave en el desarrollo de géneros o escenas enteras, como los debuts homónimos de Ramones y New York Dolls o Marquee Moon de Television.
Este tipo de éxito comercial y de crítica es un sueño hecho realidad, pero cuando un artista lo consigue a la primera, se genera una enorme presión para un nuevo álbum.
Algunos artistas se toman su recién descubierto estrellato con calma y continúan produciendo álbumes sólidos o notables a un ritmo constante. Otros se dejan vencer por la presión, sufriendo y tardando años en crear un nuevo álbum, con resultados cada vez menores.
En cualquier caso, es importante recordar que el hecho de que el primer trabajo de un artista sea su mejor trabajo no significa que el resto de su catálogo no lo merezca. Pero tampoco es una vergüenza alcanzar la cima en su primera etapa. Dejar una huella tan indeleble en la historia de la música, aunque sea una sola vez, es un enorme honor.
20 Artistas de Rock Que Alcanzaron su Éxito con su Álbum Debut:
✔ The Doors, ‘The Doors’ (1967)
Todo lo que convirtió a The Doors en una de las bandas más populares, cautivadoras y enigmáticas de su época quedó claro desde las primeras notas de su álbum debut homónimo. La batería con influencias jazzísticas de John Densmore, los aullantes riffs blues y drones de estilo oriental de Robby Krieger, el órgano y el bajo con teclado de Ray Manzarek, la poesía cautivadora y la pose de dios del sexo de Jim Morrison: todo ello se combinó para formar un pilar de la evolución del rock psicodélico que se vendió como un éxito rotundo gracias a éxitos innegables como «Break on Through (To the Other Side)» y «Light My Fire». La dominación mundial era inminente. ✔ The Velvet Underground, ‘The Velvet Underground & Nico’ (1967)
Brian Eno dijo que el álbum debut de Velvet Underground vendió solo 30.000 copias en sus primeros cinco años, pero «todos los que compraron una de esas 30.000 copias formaron una banda». Grabado principalmente durante cuatro días en los deteriorados Scepter Studios de Nueva York, The Velvet Underground & Nico es una destartalada e ingeniosa mezcla de rock artístico, proto-punk, indie rock y psicodelia. Lou Reed lleva a los oyentes en un desgarrador recorrido por la versión neoyorquina de la banda, detallando el consumo de drogas («Heroin»), la prostitución («There She Goes Again») y el sadomasoquismo («Venus in Furs»). No se parecía en nada a lo que se conocía entonces, y a pesar de sus innumerables imitadores a lo largo de los años, sigue siendo un logro inigualable. ✔ King Crimson, ‘In the Court of the Crimson King’ (1969)
King Crimson marcó un hito con su álbum debut, cristalizando el naciente movimiento del rock progresivo con su hábil mezcla de hard rock, folk, jazz y música clásica. Este enfoque multifacético funcionó porque la banda, en particular el cantante y bajista Greg Lake (quien se convertiría en un tercio de Emerson, Lake & Palmer), el guitarrista Robert Fripp y el multiinstrumentista Ian McDonald, tenía un apetito voraz y una aptitud académica para todos los géneros musicales. El resultado es un álbum que oscila emocionantemente entre frenéticas explosiones de jazz-rock («21st Century Schizoid Man») y baladas espaciales y cambiantes («Moonchild»). In the Court of the Crimson King fue un éxito rotundo tanto de crítica como de público, pero resultó ser demasiado bueno para durar: al año siguiente, la formación ya había comenzado a desintegrarse. ✔ MC5, ‘Kick Out the Jams’ (1969)
Grabado en vivo durante dos noches en el Grande Ballroom de Detroit, Kick Out the Jams captura a MC5 en su faceta más salvaje, sentando las bases para innumerables bandas posteriores. El tema principal, con su infame exhortación «¡Kick Out the Jams, cabrón!», es un clásico proto-punk contundente, y el resto del álbum sigue la misma línea con ráfagas de guitarra distorsionadas, voces desgarradoras y ritmos equilibristas. El álbum es rock ‘n’ roll reducido a lo esencial, y más de medio siglo después, su intensidad desenfrenada sigue siendo inigualable.
✔ Roxy Music, ‘Roxy Music’ (1972)
El tema que abre el LP debut de Roxy Music, «Re-Make/Re-Model», todavía suena unos 50 años adelantado a su tiempo. Phil Manzanera raspa sonidos perversos de su guitarra; Andy Mackay toca el saxo con fuerza; Paul Thompson pulveriza la batería; Brian Eno evoca
Tonos alienígenas de un sintetizador VCS3; y el cantante Bryan Ferry aúlla como una estrella del avant-glam herida sobre un piano alegre. Nada más en Roxy Music es tan vibrante, pero todo es revelador: el viaje de lo oscuro a lo claro, impulsado por el oboe, de «Ladytron»; el elegantemente frenético «2HB»; el fracturado y exploratorio «The Bob (Medley)». ¿Qué clase de magia negra es esta? Ojalá nunca la descubramos.
✔ Lynyrd Skynyrd, ‘(Pronunciado ‘Leh-‘nerd ‘Skin-‘nerd’)’ (1973)
Lynyrd Skynyrd no inventó el rock sureño, pero casi lo perfeccionó en su magistral debut de 1973. El sexteto había pasado años perfeccionando estas canciones en clubes antes de entrar al estudio, y (Se pronuncia ‘Leh-‘nerd ‘Skin-‘nerd’) rebosa confianza y delicadeza, desde el funky hard-rock de «I Ain’t the One» y «Gimme Three Steps» hasta la encantadora ternura de «Tuesday’s Gone» y «Simple Man». Alejada de sus innumerables asociaciones con la cultura pop, «Free Bird», la canción que cierra el álbum, es una muestra de virtuosismo tan asombrosa que resulta casi exasperante pensar que Lynyrd Skynyrd la lograra en su primer disco.
✔ New York Dolls, ‘New York Dolls’ (1973)
A pesar de su ambivalencia hacia la banda, el productor Todd Rundgren capturó a los New York Dolls exactamente como eran en su debut homónimo: ruidosos, groseros e impenitentemente descuidados. La banda combina rock ‘n’ roll de primera generación, pop de Brill Building y una buena dosis de camp en las efervescentes «Personality Crisis» y «Trash», con el líder David Johansen y el guitarrista Johnny Thunders pavoneándose como un Mick ‘n’ Keef zombificado. New York Dolls es el sonido de un tren que amenaza con descarrilar en cualquier momento (y lo hizo rápidamente), pero la cruda musicalidad y la portada del álbum, con un toque de drag, también fueron un dedo medio desafiante al esnobismo y la homofobia desenfrenados del rock de la época, un desafío que otras bandas supieron emular.
✔ Patti Smith, ‘Horses’ (1975)
Cinco meses antes del debut homónimo de Ramones, ‘Horses’ de Patti Smith se convirtió en una piedra angular de la revolución del punk-rock. El LP rebosa pasión primigenia, combinando su cacofonía minimalista de tres acordes con letras evocadoras e improvisaciones decididamente poco punk. El resultado fue nada menos que un reinicio cultural, un rejuvenecimiento deliberado tras la agitación social y las innumerables muertes musicales de los años 60, que provocaron un letargo generalizado. «Todos tuvimos que recomponernos», dijo Smith. «Para mí, por eso nuestro disco se llama Horses. Tuvimos que tomar las riendas para recargarnos… Nos hemos recompuesto. Es hora de soltar los caballos de nuevo. Estamos listos para volver a la acción».
✔ Boston, ‘Boston’ (1976)
El debut homónimo de Boston es esencialmente un álbum de grandes éxitos y una obra impresionante de claridad y virtuosismo del guitarrista, compositor y productor Tom Scholz, quien grabó la mayor parte del LP de ocho canciones en el sótano de su apartamento en una elaborada treta contra Epic Records. Canciones como «More Than a Feeling» y «Peace of Mind» se convirtieron en clásicos indiscutibles del rock de estadios, mientras que «Foreplay/Long Time» y «Smokin'» deslumbran con sus instrumentales de corte progresivo. Con 17 millones de copias vendidas solo en Estados Unidos, Boston se convirtió en el álbum debut más vendido de la historia (posteriormente eclipsado por Appetite for Destruction de Guns N’ Roses). Ayudó a inaugurar la era AOR del rock y sigue siendo el mayor logro de Boston, a pesar de los esfuerzos cada vez más tortuosos de Scholz por capturar una vez más la luz en una botella.
✔ Ramones, ‘Ramones’ (1976)
Los Ramones no pierden tiempo en detalles como la sutileza o la elaborada composición en su debut homónimo, una descarga de 29 minutos de acordes potentes y estruendosos y voces burlonas que invitan a gritar. Temas como el consumo de drogas, el hastío suburbano y la violencia desenfrenada impregnan estas 14 canciones, que reutilizan los empalagosos estribillos de los grupos pop de los 60 en un asalto sónico de alta velocidad. Ramones fue la cuna de la revolución del punk rock, y clásicos como «Blitzkrieg Bop», «Beat on the Brat» y «Judy Is a Punk» lo convierten en el álbum definitivo del cuarteto.
✔ Meat Loaf, ‘Bat Out of Hell’ (1977)
Se necesita mucho coraje para lanzar un álbum debut tan delirantemente exagerado como Bat Out of Hell. Pero, en serio, ¿habría tenido sentido algo diferente para un cantante de Broadway convertido en estrella del rock que se hacía llamar Meat Loaf? Michael Lee Aday y Jim Steinman eran la pareja perfecta; la voz potente y el carisma desbordante del primero daban vida a las epopeyas operísticas y recargadas del segundo. Rebosante de éxitos como «Paradise by the Dashboard Light» y «You Took the Words Right Out of My Mouth», Bat Out of Hell es una proeza de pompa, virtuosismo y ambición. No es de extrañar que Aday y Steinman volvieran a la carga para dos secuelas.
✔ Television, ‘Marquee Moon’ (1977)
La obra maestra debut de Television no encaja del todo en los ya amplios límites de la new wave: su fuego cruzado de riffs duales y sus estructuras de canciones escurridizas no comparten mucho ADN con, por ejemplo, el elegante synth-pop de Duran Duran. Pero Marquee Moon terminó influyendo en casi todas las bandas de rock con orientación guitarrística de su época.
Era inmediata, liderada por la voz tensa y la poesía surrealista de Tom Verlaine. Ninguno de sus admiradores podría jamás imitar con precisión un sonido tan único: tomemos como ejemplo una canción como «Friction», que suena como una banda de blues-rock drogada improvisando con un grupo de jazz-rock en un bar de carretera de pesadilla. La cumbre, por supuesto, es la épica de 10 minutos que da título al disco, un laberinto de ritmos irregulares y solos de guitarra exploratorios a la luz de la luna.
✔ The Cars, ‘The Cars’ (1978)
Sin duda, si se mide la emoción pura a nivel de estribillo, los Cars alcanzaron una cima impresionante en su primer LP: la primera sección de «Good Times Roll», «My Best Friend’s Girl» y «Just What I Needed» es trascendental, superando cualquier trilogía de new wave que se pueda imaginar. Pero The Cars es más matizado —y, a menudo, más extraño— de lo que se le atribuye, mostrando la maestría hard rock de la banda (el solo de guitarra en «Don’t Cha Stop») y sus subestimadas inclinaciones art-rock (los nerviosos riffs de «I’m in Touch With Your World», el culminante solo de saxo en «All Mixed Up») a medida que avanza el LP.
✔ Devo, ‘Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!’ (1978)
El álbum debut de Devo suena como si hubiera sido traído de otro planeta, combinando la agresividad del punk DIY con el ingenio mordaz y la inteligencia pop de la new wave. Canciones como «Uncontrollable Urge», «Mongoloid» y «Jocko Homo» son tan agresivamente disparatadas que suenan como críticas directas a la insulsa jerga pop-rock que dominaba las ondas de la época, sin dejar de ser escandalosamente pegadizas por sí mismas. Y, por supuesto, está la versión deconstruida de Devo de «Satisfaction» de los Rolling Stones, que sigue siendo una de las interpretaciones más atrevidas de cualquier debut con una gran discográfica.
Warner Bros.
✔ Van Halen, ‘Van Halen’ (1978)
La guitarra rockera tiene dos épocas bien diferenciadas: antes y después de Van Halen. Con su tapping a dos manos, sus chillidos armónicos y sus inagotables bombas de aire, el guitarrista homónimo Eddie Van Halen revolucionó el medio, al igual que Jimi Hendrix lo había hecho una década antes. Pero Van Halen no habría sido el éxito mundial que fue sin su brillante composición pop, la consumada maestría del cantante David Lee Roth ni la férrea sección rítmica del bajista Michael Anthony y el baterista Alex Van Halen. La banda alcanzó cotas igualmente elevadas con el melancólico Fair Warning y el éxito de taquilla 1984, pero en cuanto a impacto que define el espíritu de la época, nada se acercaba a Van Halen.
✔ Pretenders, ‘Pretenders’ (1979)
Destilando confianza de principio a fin, el debut de los Pretenders se ganó el respeto de los fans. «Soy especial, tan especial, tengo que tener algo de tu atención, dámela», canta la líder Chrissie Hynde en «Brass in Pocket», uno de los mejores sencillos del LP. La voz de Hynde es pura y gloriosa, mientras que los riffs de guitarra de James Honeyman-Scott se suceden uno tras otro, cada uno más agudo que el anterior. El estilo hard rock de la banda se equilibra con canciones más vulnerables como «Private Life» y «Lovers of Today», convirtiendo a Pretenders en un disco definitivo de new wave, que deja claro desde el principio que no hay reglas. ✔ Ozzy Osbourne, ‘Blizzard of Ozz’ (1980)
La carrera de Ozzy Osbourne parecía estancada tras su salida de Black Sabbath. Pero con la ayuda de su mánager y futura esposa, Sharon Arden, y el genio de la guitarra Randy Rhoads, se recuperó del abismo con Blizzard of Ozz. Clásicos como «I Don’t Know», «Flying High Again» y «Crazy Train» le dieron un giro más pop y melódico al género, mientras que «Mr. Crowley» aportó la narrativa inquietante y ocultista por la que Black Sabbath se había hecho conocido. Blizzard of Ozz es igualmente reconocido por revitalizar la carrera de Osbourne y presentar al mundo a Rhoads, quien dejó una huella imborrable en el género en tan solo unos años antes de su muerte a los 25 años.
✔ Dio, ‘Holy Diver’ (1983)
Ronnie James Dio estaba a punto de lanzarse como solista tras sus exitosas colaboraciones con Rainbow y Black Sabbath, y se apuntó el título del metal con Holy Diver. El cantante ofrece unas interpretaciones vocales atronadoras y operísticas en la majestuosa canción principal y la contundente «Straight Through the Heart», mientras que la brillante guitarrista Vivian Campbell deslumbra en «Stand Up and Shout» y la épica «Rainbow in the Dark». Gramo por gramo, Holy Diver es la colección de canciones más potente de Dio, y demostró que no necesitó aferrarse a nadie para convertirse en una estrella.
✔ Guns N’ Roses, ‘Appetite for Destruction’ (1987)
La formación clásica de Guns N’ Roses —Axl Rose, Slash, Izzy Stradlin, Duff McKagan y Steven Adler— creó una alquimia de hard rock en Appetite for Destruction que se da muy de vez en cuando. El álbum es un despiadado mensaje desde las alcantarillas de Hollywood Boulevard, donde el quinteto subsistió mientras buscaba inspiración para himnos de punk-metal callejero como «Welcome to the Jungle», «Nightrain» y «Out Ta Get Me». El boogie desenfadado de McKagan y Adler, los riffs serpenteantes de Slash y Stradlin y el aullido callejero de Rose se fusionaron en el álbum de hard rock definitivo de Sunset Strip y el debut más vendido de la historia.
Con más de 18 millones de ventas solo en EE. UU. Décadas después, GNR sigue persiguiendo su esquiva cima.
✔ Pearl Jam, ‘Ten’ (1991)
Publicado menos de un mes antes del revolucionario Nevermind de Nirvana, ‘Ten’ de Pearl Jam inicialmente pasó desapercibido, pero con el tiempo se convirtió en una alternativa a la alternativa. Mientras que Kurt Cobain y su banda ofrecían un punk-pop sombrío y ultradistorsionado, Pearl Jam ofrecía un rock de estadios contundente, mucho más en deuda con el rock clásico de los 70 que sus colegas. Rockeros apasionantes como «Once» y «Even Flow» giran en torno a la potente guitarra principal de Mike McCready, mientras que las baladas de ritmo lento «Alive» y «Black» muestran la voz conmovedora y profunda de Eddie Vedder, un estilo a menudo parodiado, pero nunca replicado con la misma sinceridad. Pearl Jam ampliaría enormemente su paleta sonora en futuros lanzamientos, pero Ten sigue siendo su declaración definitiva.
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