Los 30 mejores álbumes de 2025 hasta ahora

Los shoegazers de Nueva Jersey, High., ofrecieron un excelente debut este año, el tipo de álbum que te conquista primero con sus irresistibles tonos de guitarra y luego te sorprende con la profundidad de sus composiciones. El cuarteto usa una buena dosis de reverberación para entrar y salir de un estado onírico, aún más fascinante gracias al duelo vocal de Christian Castan y Bridget Bakie. Las líneas de guitarra van de lo sedante a lo confuso y desgastado, con un ritmo a medio tiempo que casi se arrastra a propósito para crear un efecto absorbente. En lugar de basarse únicamente en la producción improvisada y desordenada que emplean sus colegas shoegaze, High. sabe exactamente cuándo aportar claridad y cuándo enturbiar las aguas. 

Florist pinta en tonos suaves en Jellywish , entregando uno de los álbumes más trascendentes y conmovedores de este año. El quinto LP de estudio del cuarteto neoyorquino es más que una simple prueba de la evolución de la banda a lo largo de más de 10 años: es un testimonio de su capacidad para transformar las vulnerabilidades personales en algo universalmente identificable. Usando las antiguas medusas como núcleo filosófico del álbum, Florist recurre a estas cautivadoras criaturas marinas para ilustrar la resiliencia, la transparencia y la delicada naturaleza de la existencia humana. Los susurros etéreos de Emily Sprague se entrelazan con una producción tan deliberadamente sutil que se siente como si te hubieras topado con un intercambio susurrado entre viejos amigos. Desde la percusión apenas perceptible hasta las reflexiones suaves y espontáneas de Sprauge, es evidente que cada aspecto del disco fue creado con precisión devocional. 

La secuela del venerado álbum debut de Model/Actriz, Dogsbody (2023 ), es igual de cautivadora y profundamente personal. El líder Cole Haden se muestra vulnerable al aceptar su identidad queer a temprana edad, explorando sus sentimientos de amor y deseo. Las canciones de Pirouette son poéticas y bailables, lo que marca un cambio con respecto a las notas más tenaces de su anterior álbum. El cuarteto post-punk suaviza el ruido, inclinándose con fuerza hacia el pop, mientras equilibra sus experimentos dance-punk con momentos tiernos, como el tema de cierre, «Baton». 

Las montañas Catskills han sido durante mucho tiempo un santuario sagrado para la cantautora Hannah Cohen, emergiendo inevitablemente como la cuna y catalizador creativo de su último trabajo, Earthstar Mountain . Su cuarto álbum de estudio no se trata solo de un lugar, es una obra que abraza la esencia misma de cómo el paisaje moldea el alma, el murmullo rítmico de las estaciones reflejando las complejidades de la conexión humana. Ya sea canalizando la gracia etérea de Minnie Riperton en el tema inicial «Dusty» o procesando el duelo junto a Sufjan Stevens en «Mountain» con una belleza que recuerda a Fleetwood Mac de la época de Rumours , el álbum nunca se siente imitativo, sino innegablemente resonante. Lo que Cohen logra con Earthstar Mountain es un don sonoro: la capacidad de traducir el lenguaje del paisaje en una ventana al alma misma. 

PinkPantheress no ha rehuido la veneración por el efecto 2000 en su visión híbrida de la música pop. Ha empleado numerosos elementos nostálgicos, desde una producción con aires de tono de llamada hasta el minibolso que luce cada vez que sube al escenario. En Fancy That , se compromete al máximo con el estilo retro, pero conserva su característico sentido del humor y su agudo vocabulario musical. Incluso cuando reflejan ansiedades típicas, estos temas se encuentran entre los más efervescentes y jubilosos de su discografía; los ritmos brillan con elegancia, las voces de sintetizador en temas destacados como «Illegal» y «Tonight» emanan calidez. El estilo dance vintage funciona, por supuesto, pero es la serenidad y la mirada curatorial de Pink lo que convierte  a Fancy That en un gran éxito. 

Cortisa Star solo tiene un proyecto: el caótico EMO (EVIL MOTION OVERLOAD) , un disco de dos discos y 24 minutos de duración . Con solo eso, la rapera trans adolescente de Delaware ya es uno de los artistas más interesantes del hiperrap. Recibe ritmos distorsionados de principio a fin, sin intimidarse ni conmoverse por la opinión de nadie sobre ella («MISIDENTIFY»). En la vibrante «BOMB», deja claro su objetivo: «¿Preguntar por qué estoy corriendo hacia la cima? / Perra, ese es el maldito objetivo». EMO es la declaración de Cortisa Star al mundo de que ha llegado y se ha realizado plenamente. — Kiana Fitzgerald

La Brea es el álbum debut de Hesse Kassel, y ¡ vaya introducción a los recién llegados del art-rock chileno! Una odisea de 80 minutos que se deleita con el post-rock, el art-punk, el noise rock y otros subgéneros que solo interesan a quienes usan rateyourmusic.com. La Brea emplea con maestría cambios dinámicos, melodías apasionadas, pasajes de palabra hablada, breakdowns jazzísticos y riffs de guitarra al estilo de Slint para que sus extensas composiciones resulten impactantes. Los fans de este estilo de guitarra probablemente percibirán las influencias de la banda (Mogwai, Godspeed You! Black Emperor, etc.), pero la ejecución de Hesse Kassel no solo es única, sino que es absolutamente estimulante. 

Spiritbox ha sido uno de los grupos de mayor crecimiento en la escena metalera durante la última media década, y con razón. Liderados por la dinámica cantante Courtney LaPlante, la banda canadiense sigue arriesgándose con el sonido, y ha dado sus frutos en Tsunami Sea de 2025. Desde la estridente «Soft Spine» hasta las vibras industriales/electrónicas de la melódica «Perfect Soul», pasando por la aplastante «No Loss, No Love», Tsunami Sea representa una banda intrépida que no tiene límites en su ascenso en el panorama metalero. 

Para su sexto álbum de estudio, Bad Bunny disfrutó de un regreso a casa. Abriendo con una celebración de la herencia puertorriqueña titulada «Nuevayol», el veterano artista (y actor en ascenso ) enfatiza los sonidos y subgéneros puertorriqueños en las 17 canciones originales. Sin embargo, hay toques modernos en todo momento, lo que garantiza que la voz de Bad Bunny resuene a la vez que rinde un apasionado homenaje a sus orígenes. Para un adelanto en vivo del álbum, no te pierdas la reciente presentación de Bad Bunny en Tiny Desk , que es impresionante no solo por la cantidad de músicos que lograron acomodar en las oficinas de NPR.

En su último tema, left4dead: the triplets , Bbymutha nos destroza la cabeza con su energía implacable («sheesh battle») y sus líricas desbordantes («MIDPACK MUTHA»). Desde su sencillo revelación de 2017, «Rules», la MC de Chattanooga se ha convertido en una de las artistas más prometedoras del panorama musical. Bbymutha brilla cuando rapea con un realismo sin tapujos; en la atrevida «MAKEOVER», hace una declaración que la mayoría de las mujeres y femmes pueden respaldar: «No necesito ningún cambio de imagen/ Que las perras de verdad se apoderen de todo». Con left4dead , Bbymutha continúa su reinado como una de las influencers desconocidas más conocidas del hip-hop. 

Para el multiinstrumentista y compositor Takiaya Reed, imaginar un mundo mejor significa rechazar los sistemas que contribuyen a su destrucción. El último álbum de la banda australiana de doom metal enfatiza la importancia del amor y la unidad ahora más que nunca. La sensación de urgencia se transmite de inmediato a través del tema de apertura, «Hegemonic», una odisea inquietante y a la vez contemplativa que equilibra la oscuridad y la luz. A pesar de ser un disco completamente instrumental, Insatiable logra transmitir un mensaje poderoso a la vez que ofrece un rayo de esperanza.  

La genialidad de  Equus Caballus reside en la fluidez con la que el trío quebequense integra sencillos reimaginados con una gran cantidad de material nuevo. Si bien el álbum retoma temas entrañables como «Ring of Past», «Husk» y «Billie Toppy», estas versiones regrabadas se entrelazan con trabajos nuevos como «Carried Away», «Come Back Down» y «To Ease You», evitando así la trampa de la redundancia que supone lanzar un nuevo álbum tras varios sencillos. La química del trío alcanza nuevas cotas con la etérea voz de Emma Proulx sobre los arreglos de Dragos Chiriac y Jessy Caron, fundiendo la delicada etéresis de cada canción con una conmovedora profundidad emocional. 

«Kinda Famous» de KenTheMan es una profecía autocumplida. Tras una breve etapa con Roc Nation, la ingeniosa MC de Houston regresa a su carrera independiente y lidera su camino con aplomo. Ken ha estado luchando contra el ruido de la industria desde su gran éxito en 2020; este álbum es su forma de decir contundentemente que no se irá a ningún lado. Temas arrogantes como «First» y «I Got Questions», con la colaboración de Kaliii, son la oportunidad predilecta de Ken para desahogarse y menospreciar a los hombres a los que quiere dominar. Su audacia rebosa en todo momento, y se siente especialmente en las abrasivas «Black» y «Try Me Pt. 2», ambas con versos mordaces sobre las mujeres que nunca serán su igual.

A lo largo de sus 17 años de carrera, Lady Gaga ha explorado todo, desde sonidos country hasta clásicos clásicos . Pero nunca ha perdido su talento para crear auténticas melodías pegadizas diseñadas para ponerte en movimiento. MAYHEM representa su capacidad para seguir innovando en el dance-pop, a la vez que ofrece un gran dramatismo. «Los miedos que quería afrontar en este álbum tenían mucho que ver con reivindicar, para mí misma, que yo era la artista detrás de todo lo que he hecho a lo largo de mi carrera», declaró la artista a Consequence a principios de este año. MAYHEM no nos deja ninguna duda al respecto. 

Samia ha estado narrando su viaje de autodescubrimiento incluso antes de que la firmáramos . Si bien Bloodless no llega a conclusiones más definitivas —de hecho, los temas cuestionan el concepto mismo de identidad—, es quizás su deconstrucción más bella hasta la fecha. Las composiciones folk-pop se retuercen con brillo dentro de una producción limitada mientras Samia se adentra en su ser a través de los famosos agujeros perforados en las paredes y la mutilación incruenta del ganado. «¿Quieres ver qué hay debajo de estos Levis?/ No tengo nada debajo de estos Levis», canta en el tema final «Pants», un estribillo silencioso de una persona vacía que resuena a lo largo de este álbum reflexivo y engañosamente delicado. 

45 Pounds  es el sonido de un ritual pagano hipermoderno; es el sonido del mejor o peor viaje que hayas hecho; es la banda sonora de la última fiesta de baile en la Tierra antes de la muerte térmica del universo. Impulsado por los omnipresentes rototoms y la voz gutural y tensa de Zack Borzone, el álbum debut de YHWH Nailgun dura solo 21 minutos, pero aun así logra contener suficientes ideas, ritmos alternativos y sonidos salvajes para toda la vida. Las canciones son abrasivas y nunca le dan al oyente el tiempo suficiente para adentrarse por completo, pero si te sumerges en su deslumbrante visión sonora, te espera una de las experiencias auditivas más cautivadoras del año. 

Mike Hadreas, de Perfume Genius, regresa con otro álbum, Glory , tan majestuoso como su título sugiere. A lo largo de sus sinceras investigaciones sobre el envejecimiento, la pérdida de conexión y las sutiles bellezas de la vida, Hadreas encuentra maneras encantadoras de desestabilizarse; la explosión rockera de «No Front Teeth», el puente fingido de «It’s a Mirror», el desliz difuso de «Capezio»; cada acorde rasgueado con claridad, letra vibrante, desvío brillante y floritura de producción tiene la capacidad de tocar la fibra sensible. Nunca ha hecho un mal álbum, y  Glory  demuestra que, incluso después de una racha ilustre, Hadreas aún tiene mucho que decir.

El legendario saxofonista alto de Sun Ra Arkestra se convirtió en el tutor del grupo en 1995, dos años después de su fallecimiento. Ahora, a sus 100 años, Allen ha salido del estudio con su álbum debut como solista. Si se hubiera publicado bajo el sello Arkestra, habría sido recordado como uno de los mejores en la historia del legendario conjunto de jazz, con reminiscencias del pasado, vibraciones cósmicas inspiradas en Ra y melodías inquebrantables. Pero, en cambio, es algo mucho más emocionante: un veterano tutor que prioriza su propia visión. Mientras luce con orgullo sus influencias, Allen celebra su segundo siglo celebrando su individualidad. El resultado es fluido, a veces psicodélico, y la espera ha merecido la pena. 

MIKE no tiene prisa. Lleva casi una década caminando hacia la autorrealización, y Showbiz! es una de las últimas piezas del rompecabezas de su vida. Las cualidades que hicieron que tantos nos enamoraran de su música persisten en este álbum. Con la complejidad de sus versos, MIKE encaja las palabras con firmeza, pero a la vez se mueve con fluidez a lo largo de la densa producción que crea y prefiere. Equilibra una entrega discreta con conceptos himnarios, rimas multisilábicas con cadencias peculiares. En el destacado «Artista del Siglo», se toma un momento para revelar una contundente revelación: «El premio no es mucho, pero el precio es abundante». Aún extrayendo significado de la vida, MIKE usa Showbiz! para dar un paso más hacia su realización personal. 

¿Se han vuelto PUP tan confiables que empiezan a darlos por sentados? «Mira, PUP ha sacado otro disco lleno de diversión distorsionada y letras oscuras y mordaces. ¡Genial!». No, genial .  «Who Will Look After the Dogs? » muestra a los punks canadienses madurando su caos característico tras una conmoción emocional, con la ayuda del as de la producción John Congleton. Representa la disolución desordenada de una relación como un himno pop punk, gritado con un tazón de palitos de pan ilimitados («Olive Garden») o mientras se está «colapsado en el suelo» («Hallways»). Golpeando su vulnerabilidad con un martillo distorsionado, PUP te despierta de golpe para enfrentar la realidad de la soledad con suficiente optimismo autocrítico como para hacerla soportable.

Cuando terminamos con Momma, el grupo CoSigned estaba apostando por el futuro, saliendo de gira por el país y prometiendo convertirse en un nombre reconocido. Ese LP de 2022 fue, acertadamente, su trabajo revelación, y en Welcome to My Blue Sky , lidian con algunas de las consecuencias imprevistas de su gira. Esto significa nuevos amores, nuevos hábitos, nuevas identidades y descubrimientos reveladores, todo ello equilibrado con el dolor de desarraigar una vida y cerrar la puerta a quienes una vez fueron. Estos altibajos están saturados en el álbum, que está repleto de sentimientos reconfortantes, tonos nostálgicos y algunos de los mejores ganchos de su catálogo. 

A estas alturas, Billy Woods está casi consentiendo a sus fans. No solo mantiene una agenda de lanzamientos notablemente consistente, lanzando un nuevo proyecto aproximadamente cada año, sino que cada uno es tan impresionante como el anterior. Su último proyecto no es la excepción, ya que se adentra en algunos de los temas más oscuros de su carrera. El tema de apertura, literalmente titulado «Jumpscare», marca el tono con una atmósfera vibrante y notas musicales espeluznantes, y créannos cuando decimos que el sol nunca sale a medida que avanza el álbum. A lo largo del camino, Woods rapea a todo pulmón, usando su imponente presencia vocal para tejer historias de horrores reales y fábulas surrealistas. A menudo, es legítimamente inquietante; al mismo tiempo, es imposible desconectar.

Sharon Van Etten & The Attachment Theory es quizás el mejor álbum del año en el importantísimo microgénero Music for Driving Fast at Night. Van Etten suena revitalizada por su nueva banda, buscando significado en las vibrantes olas de ánimo de The Attachment Theory. El triplete de «Afterlife», «Idiot Box» y «Trouble» ancla la primera mitad, mientras que «Southern Life (What It Must Be Like)» destaca al final, con un zumbido irresistible que podría hacerte sentir el pie en el acelerador. Van Etten siempre ha ofrecido letras poéticas con un oído exquisito para la melodía, pero su nueva banda casi se roba el protagonismo. 

Desde el primer y desdeñoso «Okay» de la canción que abre el álbum, «Man Made of Meat», queda claro que el cuarto álbum de estudio (casi) homónimo de Viagra Boys encuentra a la banda sueca de post-punk en su mejor momento. Los siguientes 10 temas están a la altura de la irreverencia grandilocuente tanto del primer corte como de lo mejor de su catálogo anterior, con letras desenfrenadas, una composición impecable y una producción post-punk que, en pocas palabras, es una gozada. Impregnados de una personalidad pura, viagra boys continúa la racha de éxito de Viagra Boys, lo que nos lleva a los fans a preguntarnos cómo pueden durar tanto tiempo… 

Los fans del hip-hop se alegraron cuando Saba y No ID se unieron para su álbum colaborativo, y con razón. Saba, un MC extraordinariamente reflexivo con una profundidad lírica emotiva, y No ID, un experto en búsquedas, revendedor de samples y productor, eran la pareja perfecta para el rap. En cuanto al sonido, « From the Private Collection of Saba and No ID» es cálido, polvoriento y conmovedor, una atmósfera acogedora para que Saba explore sus amplios pensamientos, aspiraciones y reflexiones. Si bien el proyecto tiene sus puntos fuertes («Breakdown»), rebosa principalmente de ritmos y rimas contemplativas («Woes of The World», «How to Impress God»). La sinergia entre Saba y No ID es palpable y potente

Aunque es justo llamar a SABLE, fABLE un álbum sobre una ruptura, la etiqueta implica un desánimo que subestima la esencia del álbum. El último álbum de Bon Iver, en cambio, encuentra un equilibrio entre el amor y la pérdida, la lucha y el optimismo, que finalmente se centra en la paz. Comprender las «cosas detrás de las cosas detrás de las cosas» que Justin Vernon canta en el tema de apertura le permite pasar de «todo es hollín» («SPEYSID E») a «ponerse en pie y alejarse» («There’s a Rhythmn»). Vernon también logra un equilibrio entre su personalidad de «hombre en una cabaña» y sus inclinaciones de «hombre en un estudio», donde la folktrónica, el R&B y el soul se fusionan en un hermoso paisaje sonoro a través del cual se despliega su evolución. Si de hecho es un álbum sobre una ruptura, su exquisito equilibrio lo convierte en uno de los más restauradores de los últimos tiempos. 

En Lonely People with Power , Deafheaven regresa al black metal, pero con una mano más guiada, combinando las texturas vertiginosas de su seminal Sunbather con los mejores elementos de su lanzamiento más suave de 2021, Infinite Granite . La combinación alquímica resulta en algo posiblemente más potente que la suma de sus partes, liberando una capa adicional de emoción en la música de la banda. Un tema brutal como «Magnolia» puede volar las puertas y golpear implacablemente, mientras que una canción como «Heathen» puede acariciar con sus majestuosos arpegios antes de inmolarse una vez más en furia metálica. Aquí, la banda logra el equilibrio perfecto entre aspereza y serenidad. 

El universo sonoro en constante expansión de FKA twigs alcanzó su máximo esplendor este año con EUSEXUA . Es lo más lejos que ha llevado su producción texturizada y llena de contrastes, fusionada a la perfección con algunos de los temas pop más accesibles y melódicamente cautivadores que jamás haya creado. Pero más allá de los éxitos (y hay muchos), EUSEXUA  es un logro asombroso en cuanto a su compromiso con un concepto, siendo el término «Eusexua» una amalgama de ideas sobre la iluminación, el trauma, el sexo, la fisicalidad y los vínculos fracturados que los unen. twigs aporta ideas intelectuales sobre la autonomía y la intimidad a una música que se precipita hacia un centro carnal e impulsivo, donde la euforia del subidón y la vulnerabilidad del bajón son inseparables. Es una proeza de la música dance, un poderoso paso adelante de una artista cuyo vocabulario musical se mantiene tan agudo como siempre.