El día de ayer, el músico británico de 76 años dio su primer concierto en el Festival de Glastonbury en Inglaterra, el cuál, según él, podría haber sido su último concierto en Inglaterra.
Elton John dijo sentirse muy emocionado ya que nunca se imaginó poder tocar en Glastonbury, el astro y leyenda viva dio las siguientes palabras a la multitud que no dejaba de ovacionarlo: «es una noche muy especial y emotiva para mí, podría ser mi último concierto en Inglaterra, en Gran Bretaña, mejor toco bien y los entretengo».
La actuación que ofreció Elton John fue en el escenario Pirámide, el principal del festival inglés, arrancó su presentación con Pinball Wizard, y se fue convirtiendo en una exitosa noche donde no faltaron clásicos como Crocodile Rock, y I’m Still Standing. Otro momento emotivo de la noche fue cuando Elton dedicó al fallecido George Michael el tema Don’t Let the Sun Go Down, quien lo citó como su amigo e inspiración.
De esta manera se estaría cerrando la gira de despedida de Elton John, pero su esposo, aseguró que el músico no dejará por completo la música ya que ya se encuentra trabajando en un nuevo álbum de estudio.
Elton John se despidió agradeciendo 52 años de apoyo, lealtad y amor.
En el mes de mayo se dio a conocer la noticia de que Paul Di’Anno, vocalista que grabaría los primeros dos álbumes de Iron Maiden regresaría a Puebla como parte de su gira de regreso a los escenarios, esto después de que debido a problemas de salud anunciara un retiro temporal.
Esta sería la tercera visita que el ex vocalista de Maiden visitara la ciudad de Puebla, la primera sería por ahí de 2006 en el extinto Ciricua y la segunda en 2013 en el ese entonces llamado Studio 803, para su tercera visita Paul estaría tocando en el Foro Puebla.
El cantante se hizo acompañar de la banda nacional Iron What? banda tributo a Iron Maiden de renombre en México cuyo trabajo en la música fue incríble, y como invitados especiales las bandas locales Fxck The Monster, Septicem y Okktli. La presentación de Di’Anno estaba programada para las 10 de la noche, sin embargo tuvimos que esperar aproximadamente media hora para que el show diera inicio.
Fue así como a las 10:30 de la noche Paul Di’Anno apareció en el escenario del Foro Puebla con el fondo musical de La Bamba, el clásico de Los Bravos, fumando un cigarro dio las gracias a la gente que se dio cita para disfrutar de su show, para inmediatamente abrir su setlist con la instrumental The Ides Of March, tema que abre el segundo álbum de estudio de Iron Maiden, Killers; continuando con Wratchild y enseguida interpretar el clásico Sanctuary, sencillo que se lanzó en 1980, y cuya portada que causó polémica al mostrar a Eddie decapitando a la entonces Primer Ministro de Reino Unido, Margaret Tatcher. Posterior aumentó la velocidad para interpretar la salvaje Purgatory también incluida en el Killers de Iron Maiden.
Drifter continuó con el setlist en donde podíamos ver a un Paul Di’Anno alegre y con toda la intención de ofrecer un buen show a al público poblano que se dio cita en el Foro Puebla, para Murders In The Rue Morgue Paul comenzó a denotar ligeros problemas de salud al comenzar a toser sin parar, cosa que es obvia debido a su edad, excesos durante su vida y los problemas de salud que se hicieron públicos hace un año, e incluso este año donde no pudo terminar su presentación en Ciudad de México, según él, por un malestar estomacal. Al llegar la mitad del concierto dedicó el tema Remember Tomorrow a la memoria del ex baterista de Iron Maiden, Clive Burr, quien falleció en 2013, un tema emotivo y donde Paul entregó todo al interpretarlo. La oscura e instrumental Genghis Khan llegó a buen tiempo para que Paul pudiera tomar un respiro, para después dar inicio con la extraordinaria Killers.
Brindando con el público alzando shots de tequila y cerveza, Paul seguía con buen ánimo bromeando con el público y anunciando al mismo tiempo la legendaria Charlotte The Harlot para posterior volver a tomar un respiro mientras la banda tocaba la extraordinaria Transylvania. El público enloqueció cuando llegó el momento de Phantom Of The Opera, clásico de Iron Maiden que es de los favoritos de los Maiden Fans y cuyo tema se puso en el ojo público debido al recién cover que Ghost hizo para su reciente EP. Las últimas tres canciones de la noche correspondieron a temas del primer álbum de la Doncella de Hierro, Running Free, Prowler y Iron Maiden.
Una noche con sentimientos encontrados para los fans de Iron Maiden quienes algunos veían por primera vez a Paul Di’Anno y para los que ya lo habían visto anteriormente, el escuchar los temas de los primeros dos álbum de la banda en voz de Paul siempre es un agasajo, ya que como siempre lo he dicho, a pesar de la diferencia abismal entre las voces de Bruce Dickinson y Di’Anno, esos temas cantados por Paul suenan más que excelentes. Esperamos que «La Bestia» mejore su condición de salud para una segunda vuelta por tierras mexicanas y disfrutar de otra noche especial.
Por fin está disponible el nuevo álbum de los Foo Fighters, But Here We Are, un álbum muy emotivo en palabras del propio Dave Grohl que retrata una nueva era para la banda después de la terrible pérdida que sufrieron el año pasado, But Here We Are significa un renacimiento para la banda, una carta de sentimientos encontrados.
El álbum abre con un tema que me parece espectacular desde que se lanzó como el primer sencillo, Rescued, un tema muy fresco que recuerda los años noventeros de la banda con un mensaje muy positivo muy al estilo de Walk, un tema con mucha energía y punch, positivamente brutal que puede servirte para levantarte el ánimo si es que lo necesitas, o simplemente para hacer mucho más ameno y positivo tu día. El segundo tema Under You continúa con esa misma línea que Rescued, un con tema con mucho punch, un regreso al sonido noventero de la banda de álbumes como The Colour and The Shape, la energía de Taylor Hawkins pudiera seguir presente en este tema.
Un viaje sonora a Wasting Light llega con Hearing Voices, un marcado sonido alternativo con toda la marca compositiva de Dave Grohl, baja la energía pero vaya que el sentimiento que el feeling que impregna Dave en la letra es increíble, un estribillo magnífico. Llegamos al tema que da nombre al álbum, But Here We Are, la desgarradora voz de Dave Grohl es un grito de guerra, una manera muy sonora de decir como lo dice la canción: ¡Aquí seguimos, aquí estamos! Musicalmente podría decir que hasta este momento es el primer tema flojo que encuentro en el disco, algo plano; o tal vez al ser el tema que da nombre al disco, esperaba algo un poco más impactante.
The Glass expresa un emotivo mensaje para los que sufrieron alguna pérdida amorosa o tal vez familiar… Una canción muy ligera a comparación de lo escuchado antes, nuevamente la esencia de finales de los 90’s y principios de los 2000’s se hace presente. Nothing At All es como una montaña rusa que nos lleva a de abajo a arriba para volver a bajar de golpe, un ritmo muy pegajoso que la hace agradable a cualquier oído, el coro es un punto a destacar. Show Me How vuelve a bajar el ritmo con una balada mágica, cuyos coros te hacen querer relajarte sobre un sillón y reflexionar. Con Beyond Me parecier que la segunda mitad del disco está conformada por puras baladas, un tema que inicia acompañada del piano y una melodiosa voz de Dave, el solo de guitarra entra de manera espectacular, dando forma a un tema por más emotivo.
Nos encontramos ahora con The Teacher, el tema más largo del álbum que con sus 10 minutos de duración se convierte en el tema con más duración de la banda, puesto que anteriormente le pertenecía a Come Back con sus casi 8 minutos de duración; The Teacher es un viaje por varios cambios musicales en un solo tema, la energía alternativa característica de la banda que combina con pasajes poco progresivos y hasta oscuros, vaya que este tema podría entrar dentro de una ópera rock, la madurez musical de los Foo Fighters ya ha sido demostrada en más de una ocasión, y por si a alguien le quedaba duda de eso, en The Teacher se reafirma. El final del disco llega con Rest, cuya letra ya la podremos imaginar, no sé si dedicada a su recién fallecida madre, o a Taylor Hawkins, o a ambos, Rest cierra esta carta llamada But Here We Are, una emotiva forma de decir: nos vemos pronto. Un tema que seguramente le hará derramar una lágrima a más de uno.
Como fan de Foo Fighters (y tal vez como la mayoría) me inclinaba por Wasting Light como el mejor álbum de la banda hasta antes del lanzamiento de But Here We Are, no digo que haya sobrepasado al lanzado en 2011 pero si tiene mucho con qué competir, los Foo Fighters tocaron fondo como familia y gracias a ello tenemos uno de sus mejores discos, y por obvias razones el más emotivo de toda su discografía.
Lo que inició como un álbum solista de Richie Faulkner se terminó transformando en un súper grupo en el que junto a Ronnie Romero, Rex Brown, y su compañero de Judas Priest, Scott Travis; grabaron el álbum Horns For A Halo, a pesar de que los últimos dos (Brown y Travis) serían sustituidos por Dave Rimmer (Uriah Heep) y Christopher Williams (Accept) respectivamente.
Desde el anuncio de esta nueva banda las expectativas eran altas al leer los integrantes de dicha agrupación, el tema que abre el álbum, Dead Man Walking, da muestra de la maestría que Richie Faulkner posee para poder crear riffs melódicos, y con claras influencias del Rush setentero. Continuamos con Do Or Die (el segundo sencillo que se lanzó) tema que desde su lanzamiento me pareció excelente, la voz de Ronnie Romero potente, precisa, al igual que la batería con un galope hermoso. Blind Leading The Blind (primer sencillo que se lanzó) continúa con la misma senda rockera de sus temas anteriores, el riff tiene mucha escuela de los últimos dos álbumes de Judas Priest (en donde claro está que Faulkner jugó un papel importante para la composición), a pesar de eso personalmente no me pareció un tema que te podría dejar con la boca abierta o sorprendido, al menos para mí, pero si, lo más rescatable es el riff.
Ghost Of You es una balada con una clara influencia de la música country de los setentas, las melodías que acompañan el estribillo le dan un toque muy especial al tema, el feeling de Ronnie Romero impecable, adecuando su voz a la de un cantante de hard blues, esos matices ásperos hacen que la disfrutes de principio a fin. Bitter Pill abre con un solo de guitarra que desde las primeras notas ya trae impregnada la marca Faulkner, pero que me parece un poco plano sin algo novedoso que mostrar. Continuamos con un cover de UFO, Lights Out, muy bien trabajado, sin querer imitar la versión original, la banda imprime su estilo propio en esta versión de Lights Out. Llegamos al tema que da nombre al álbum Horns For A Halo, un tema con toda la influencia de Black Sabbath, el riff muy al estilo de Tony Iommi, un tema con la marca del doom setentero que te deja un gran sabor de boca.
Dirty Pig reaviva el ritmo con un groove hard rockero actual pero una esencia retro. White Horse y Downfall Rising continúan por la misma línea, un buen punch, sobre todo en el último track, que me suena una combinación entre algún tema perdido de los setentas de Judas Priest con un tema del Firepower, un buen cierre de álbum, la escuela blusera se hace presente nuevamente en Downfall Rising, y por momentos, se logra capturar la gran influencia que K.K. Downing tuvo en Faulkner y que en más de una ocasión lo ha citado como uno de sus héroes de la guitarra.
En este primer trabajo de los Elegant Weapons de Richie Faulkner nos podemos percatar o apreciar de la fuerte influencia que el rock de los setentas tuvo en él, es grato escuchar a Ronnie Romero con un propio estilo vocal y ya sin querer imitar a Dio en todos sus pasajes vocales, un trabajo rico en influencias setenteras de Judas Priest, Black Sabbath, Rainbow, Michael Schenker Group y UFO; sin duda este es un proyecto muy interesante al que hay que tenerle confianza y fe ya que estamos seguros que seguirán sorprendiendo con buen material.
El cuarto álbum de Mötley Crüe salió a la venta un 15 de mayo de 1987, un álbum que vino con una mejor producción que el agridulce Theater Of Pain, producción que corrió a cargo de Tom Werman quien ya había trabajado con bandas como Mother’s Finest, Ted Nugent, Cheap Trick, entre otros.
Girls Girls Girls llegó en un momento clave de la carrera de Mötley Crüe, el climax de sus adicciones y excesos, a pesar de eso nos entregaron un álbum completamente fresco y que se convirtió en un referente para poder entender la esencia del glam metal, subgénero del cuál ellos son la banda más representativa.
El disco inicia con el pesado Wild Side, tema que nos hace ubicarnos en los primeros dos álbumes de la banda (To Fast For Love y Shout At The Devil), un riff sumamente heavy, con toda la influencia metalera de principios de los 80’s, continuando con Girls, Girls, Girls! tema que no necestia presentación y que se convirtió inmediatamente en una pieza fundamental para la vida nocturna, en especial la de los table dance. Un tema que retrata de manera perfecta el famoso lema de: sexo, drogas y rock n roll.
Dancing On The Glass continúa con la misma senda de los primeros dos álbumes, tema alocado, con un riff sencillo, un compás preciso de Tommy Lee y el bajo que acompaña la voz de Vince Neil sirve a la perfección. Con Bad Boy Boogie la banda parece no querer bajar el ritmo, un tema con un aire muy rocanrolero, y que pretende ser un himno de la rebeldía adolescente. El primer bajón o la primera pausa la encontramos con Nona, un tema de poco más de 1 minuto, al que sinceramente no le encuentro mucho sentido. Posterior a ese intento de balada nos topamos con Five Years Dead con el que la banda busca levantar nuevamente el ritmo fiestero con el que se presentó el álbum, queriendo parecer una especie de secuela del tema homónimo del álbum. Inmediatamente llega All In The Name Of… un tema cuyo riff me hace pensar en la influencia que el AC/DC de los setentas pudo tener en Mick Mars para componer este tema, un himno rocanrolero que habla del amor por el rock n roll. Sumthin’ For Nothin’ tiene toda esa esencia californiana, tal vez hasta podría decirse veraniega de la tierra en donde la banda se formó.
You’re All I Need me parece uno de los mejores temas del álbum, curiosamente la balada melosa del álbum, el feeling y el sentimiento que Vince Neil impregna en el tema es increíble, personalmente creo que es el mejor tema cantado de Vince en toda su carrera, un tema muy interesante que generó escándalo por esos años, ya que se le acusaba de contar la historia de un intento de homicidio, sin embargo Nikki Sixx y Tommy Lee se lucieron al componer esta power ballad. Y para cerrar el álbum nos encontramos con un cover, una versión «metalera» del clásico de Elvis; Jailhouse Rock. Cover que fue grabado en vivo y que es una buena manera de cerrar álbum, aunque yo hubiera cerrado con un tema original en lugar de un cover.
Girls Girls Girlses un álbum que retrata de manera perfecta la vida que llevaba la banda por esos años, por la cual los tacharon de degenerados y pervertidos, algunos grupos conservadores de políticos y padres de familia llegaban a considerar a Mötley Crüe como un peligro para la sociedad, aquí los Crüe en palabras de su propio mánager de aquel tiempo, Doc McGhee (y del propio Nikki Sixx) estaban en peligro de no despertar al día siguiente o pasar un buen tiempo en prisión. Justamente en aquel 1987 fue cuando Nikki Sixx sufriría de la sobredosis de heroína que lo llevó a estar clínicamente muerto durante unos minutos. Este cuarto álbum de la banda sirve para entender al 100% el subgénero del glam metal y de porque Mötley Crüe lleva la bandera.
Enforcer es de las pocas bandas que buscan mantener el sonido clásico del heavy metal de los 80s pero con un aire fresco, no por nada buscan revivir el movimiento de la NWOBHM, de hecho se les ha catalogado dentro de un nuevo movimiento llamado New Wave Of Traditional Heavy Metal (NWOTHM) en donde además estar los suecos, también suenan nombres como Skull Fist, Night Demon, los mexicanos de Voltax, entre otros.
Después de Zenith, en donde la banda quiso experimentar con sonidos más melódicos, tratando de llegar un público más amplio, Enforcer regresa a sus raíces con Nostalgia, álbum que salió a la luz el pasado 5 de mayo.
Como su nombre lo dice, el álbum es un viaje nostálgico que a los que vivieron la época dorada del heavy metal les hará recordar aquellos años dorados, y a los que no tuvimos oportunidad de vivir aquellos años, nos hace amar aún más aquel género. Abriendo con una pieza instrumental de poco más de 1 minuto, Armageddon: abre paso a Unshackle Me con unos teclados increíbles que inmediatamente te hacen decir, estos tipos realmente entienden sus raíces. Coming Alive sigue con la línea veloz de riffs poderosos y baterías rápidas, Heartbeats viene de abajo a arriba con unos delicados arpegios para después detonar en un tema que si no estaría incluido en un disco de 2023, fácil podríamos decir que el tema pertenece a una banda de metal de los ochentas, puedo citar a los primeros dos discos de Def Leppard como una influencia clara dentro de Heartbeats.
La voz de Olof Wikstrand potente como siempre, a pesar de que su voz se sigue manteniendo al nivel de cada disco que graba, en Nostalgia parece querer explotar al 150% su voz. Continuando con Demon y una intro sencilla pero muy acorde a lo que nos han demostrado hasta ese momento en el álbum, con un coro que te hace querer cantarlo durante todo el día. Kiss Of Death nos ofrece una buena dosis de speed metal, característico de los suecos. Nostalgia, el tema que da nombre al álbum es una balada encantadora casi acústica por completo, una especie de descanso después de lo que la banda ha estado mostrando. A partir de aquí la banda ya no busca bajar el ritmo en los temas subsecuentes: No Tomorrow, All The End of the Rainbow y Metal Supremacia, tema que por cierto es cantado en español y nos muestra una vez más la buena técnica que tiene Olof para cantar en español (algo que ya habíamos escuchado en la versión en español de Zenith).
White Lights in the USA parece de esos temas que sigue queriendo retratar la vida en la carretera de la banda, con un riff pegadizo y una batería precisa. Keep The Flame Alive podría decir que es el único tema experimental del disco, o un tema que sinceramente no tendría nada que hacer ahí después de todo lo que ya hemos escuchado, tal vez ese tema podría corresponder a un álbum como Zenith. Y para cerrar nos encontramos con When the Thunder Roars (Cross Fire) una pieza que cierra de buena manera tan brutal disco, una pieza 100% speed ochentera.
Enforcer tiene claro cuál es su objetivo, y con Nostalgia están decididos a cumplirlo, reavivar esa llama del heavy metal puro con pasión y amor por él, mantener a sus fieles seguidores al pie de la batalla y otorgando nuevas joyas que nos hacen pedir más material nuevo de la banda originaria de Suecia. Y personalmente pienso, que si, Nostalgia si puede ser elegido como su mejor trabajo al día de hoy, y por supuesto de los mejores lanzamientos de metal en lo que va del año.
Hoy se cumplieron 5 años desde que Parkway Drive lanzó su sexto álbum de estudio, el buen Reverence .
Reverence marcó un cambio en el sonido de la banda, que comenzó como Metalcore, empezando desde la portada que fue tomada del cuadro The Fall of the Damned , del artista Peter Paul Rubens; una pintura con tintes religiosos y espirituales.
Los cambios en la banda ya habían comenzado en el 2015, donde tras el éxito que ya venían acumulando, no pensaban detener el ritmo y su intención era seguir conquistando los oídos de los metaleros alrededor del mundo, y con Reverence lo lograron.
Podría decir que Reverence fue el disco que mostró el 100 por ciento de madurez musical y lírica de la banda, ya que aquí hicieron un trabajo mucho más pulido, más pesado y con guitarras más melódicas, y cuyas letras abordan temas sobre religión y muerte. Wishing Wells , el tema que abre el disco arranca de arriba abajo, una especie de mar en calma para después empezar con una tormenta que te hace mover la cabeza sin pensarlo. Prey también comienza con un riff muy melódico al estilo de Iron Maiden , una batería perfecta y los cambios vocales de Winston McCall hacen dePrey una excelente canción que se puede disfrutar de principio a fin. Personalmente, puedo decir que estos dos primeros temas son mis favoritos.
Absolute Power calma un poco las aguas, no es una mala canción pero podría mencionar la primera canción que bajo mi punto de vista puedo catalogar como de relleno. Cementery Bloom es una especie de interludio que da paso a The Void , single del disco y cuyo riff sencillo es sumamente pegadizo y brilla solo junto con un perfecto beat en la batería, cabe mencionar que el estribillo y el estribillo son increíbles a pesar de todo. no siendo una canción muy rápida.
I Hope You Rot se acompaña de estribillos que parecen salidos de cantos gregorianos, aquí la banda parece querer experimentar con el metal sinfónico, pero sin necesidad de sonar tedioso por momentos. Shadow Boxing podría decirse que comienza como una power ballad para luego dar paso a la agresividad de la banda con ciertos cambios abismales que se acompañan de violines, una muestra más del experimento que la banda intentaba hacer. Lo mismo para In Blood y Chronos .
Otro «pero» que le pondría al disco es el cierre, una pieza totalmente hablada por Winston que te hace pensar en qué diablos estaban pensando para cerrar el disco de esa manera.
Reverence no es un álbum perfecto, al menos no para mí, pero creo que su experimento salió bien, canciones poderosas, riffs aplastantes que brillan solos y las melodías de las guitarras dan ganas de escucharlo una y otra vez, a pesar de tener ciertas pasajes que hacen que la banda suene como un intento de metal sinfónico.
El pasado 23 de abril del presente año Saurom se presentó en la Arena Ciudad de México, en donde según ellos, sería el concierto más grande que han ofrecido en su historia.
Para quienes no estén familiarizados con Saurom, es una banda española (específicamente de San Fernando, Cadiz) cuyo estilo está orientado al folk rock y el celta, denominando ellos mismos su música como juglar metal, en donde mezclan poderosas melodías y riffs acompañados de canciones con letras fantásticas y temáticas épicas, muy al estilo del Señor de los Anillos.
El concierto de la banda estaba programado para el sábado 23 de abril en la Arena Ciudad de México, en donde desde tempranas horas sus fieles seguidores ya rodeaban las inmediaciones del recinto en espera de poder alcanzar el lugar más cercano al escenario y poder ver de cerca a sus ídolos. Sin un acto de apertura, la banda salió a escena poco después de las 9 de la noche, en donde el primer tema de la noche fue El Pájaro Fantasma, tema de su más reciente producción discográfica en donde la banda se hizo acompañar del coro El Batallón de Mordor, en donde los cantantes aparecían con túnicas negras mientras el vocalista de la banda Miguel Ángel Franco comenzaba a entonar de manera potente el tema, y al mismo tiempo se hizo acompañar de la cantante Pame Barrera.
Para continuar con el setlist continúo el tema Amanecer en donde el coro seguía acompañando a la banda dando como resultado una propuesta muy interesante y un sonido impecable y muy potente. Una de la finalidad de esta presentación fue que el concierto se grabó de principio a fin para ser editado en doble CD en vivo y un DVD, esto para tener registro del concierto más grande que ha ofrecido la banda, y con dicho acontecimiento la banda contó con invitados especiales como los mexicanos de Cemican quienes subieron al escenario para interpretar el tema La Mujer Dormida.
El grupo de danza Selqet también hizo su arribo al escenario de la Arena Ciudad de México para realizar un perfomance en el tema Músico de Calle, otro de los momentos en donde los amigos de la banda hicieron apariciones especiales. Las ovaciones del público mexicano no se hicieron esperar y con el cántico «Saurom, hermano, ya eres mexicano» la banda se notaba feliz, alegre y como si estuviera en su segunda casa.
La energía que la banda traía fue lanzada al público y estos la regresaban a los músicos para poder seguir ofreciendo una noche llena de folk y juglar metal, con temas que demostraron la energía y la vibra potente de la banda como El Carnaval del Diablo, Krampus, o la épica El Monte de las Ánimas. La vocalista de Anabantha fue otra de las invitadas especiales en este concierto al igual que el ya famoso y clásico Doctor Simi que fue muy recibido por la banda, agradeciendo en más de una ocasión el amor y apoyo que el público mexicano les ha ofrecido desde hace ya unos años.
Poco más de 3 horas fue lo que Saurom tuvo de tiempo para hacer brincar y cantar a su público mexicano que desde el primer tema y hasta el último, no dejaba de demostrar su amor y fidelidad a la banda española. Una banda que para poder organizar un concierto masivo en la Arena Ciudad de México sin mánagaer, sin promotor, y medios de prensa pagados, merece todo el respeto y reconocimiento.
Pasaron siete años hasta que llegó el sucesor de Hardwired… to Self-Destruct, el onceavo álbum de estudio de Metallica. Cosa curiosa, el álbum tiene exactamente la misma duración que su antecesor, una hora y 17 minutos.
En noviembre de 2022 tuvimos el primer adelanto de este nuevo disco que culminó con 4 sencillos de la banda.
El disco abre con el tema principal, que arranca con unos riffs que parecen cargar la batería del disco y muestran a un Metallica aún enérgica. Shadows Follow pretende continuar con la misma línea llena de energía de una ya vieja banda del Área de la Bahía de San Francisco, una canción que brilla con la voz ronca de James Hetfield.
Screaming Suicide desde que salió en formato single no me pareció una mala canción pero al lado de las dos anteriores, sinceramente no tiene mucho que ofrecer, salvo el estribillo que es realmente pegadizo y el bajo potente de Robert Trujillo. Sleepwalk My Life Away abre con unos tambores al galope de Ulrich acompañados de un contundente y marcado bajo de Trujillo, que intenta bajar un poco el ritmo, como en You Must Burn! que a veces hace recordar cuando Sad But True aplastaba al mundo.
Crowed Of Barbed Wire inicia de manera brutal de manera que Lars Ulrich fácilmente podría hacer frente a sus detractores, a pesar de que el tema no es prescisamente veloz. Chasing Light es de esos temas que no intenta emular ningún trabajo anterior de Metallica, uno de esos temas con aire fresco que tiene toda la marca de Metallica, igual que con Too Far Gone?
Para mitad del álbum nos encontramos con el primer adelanto que tuvimos del mismo, Lux Aeterna, una pieza que desde su lanzamiento hizo recordar esos años salvajes de Kill Em All y Ride The Lightning, a opinión propia de las mejores canciones de 72 Seasons.
If Darkness Had a Son muestra una intro muy al estilo de …And Justice For All, sin embargo desde su lanzamiento y ahora confirmo, el tema por momentos llega a perderse y uno se pregunta a donde nos quiere llevar realmente la banda con él, haciendo de él un tema que parece de simple relleno. Room Of Mirrors goza de una vitalidad y frescura sobre todo en el estribillo, las guitarras melódicas le hacen dar una nueva cara a la nueva música de Metallica, y hacía el final del tema Lars Ulrich se luce de manera sublime con un doble bombo que puede seguir haciendo frente a sus detractores.
Para el final del álbum encontramos una pista de poco más de 11 minutos, Inamorata, iniciando de manera lenta y contundente, con un tempo muy preciso, un tema muy hard rockero (por momentos blusero), lo que la hace más interesante es a mitad de la canción, un bajo de Robert Trujillo que hace ver las influencias bluseras del bajista, con tintes muy al estilo de Hand Of Doom de Black Sabbath, el solo de Kirk Hammett se escucha con tanto feeling que llega a hacer un viaje nostálgico por cada uno de los álbumes de la banda (a excepción claro de St. Anger).
Si bien 72 Seasons no es un álbum espectacular ni perfecto, es un trabajo que hace ver que la banda aún tiene energía y creatividad para componer riffs que pueden convertirse en clásicos en sus conciertos, y hace valorar a la banda de Hetfield y Ulrich y seguir disfrutándolos mientras podamos. Un trabajo que no es espectacular, tampoco es malo, si, tiene temas de relleno pero que para la institución que es Metallica cumple con su cometido. A estas alturas del partido todos sabemos que Metallica ya no tiene nada que probar.
72 Seasons – Metallica 8.5/10
Tracklist: 72 Seasons Shadows Follow Screaming Suicide Sleepwalk My Life Away You Must Burn! Lux Aeterna Crown of Barbed Wire Chasing Light If Darkness Had a Son Too Far Gone? Room Of Mirrors Inamorata
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